Una frase, una imagen



Jacques Louis David, 1812 
El emperador Napoleón en su estudio de las Tullerías (National Gallery of Art, Washington)



  

El triunfo no está en vencer siempre, sino en nunca desanimarse.
 

 Napoleón Bonaparte

http://es.wikipedia.org/wiki/Napole%C3%B3n_Bonaparte

¿Sabías que...



Elizabeth I atribuido a Isaac Oliver 1556-1616
y a Marcurs  Gheeraerts II 1561-1636

... El estado de Virginia, en USA, se llamó así en honor a la reina Isabel I de Inglaterra, la reina virgen?



http://es.wikipedia.org/wiki/Virginia

http://es.wikipedia.org/wiki/Isabel_I_de_Inglaterra

Adagio hindú



Benarés




 

 

Siembra un pensamiento y cosecharás una acción.

Siembra una acción y cosecharás un hábito.

Siembra un hábito y cosecharás un carácter.

Siembra un carácter y cosecharás un destino.

Adagio hindú.

 

http://es.wikipedia.org/wiki/Adagio_(ling%C3%BC%C3%ADstica)

http://es.wikipedia.org/wiki/Benar%C3%A9s

 

Autores consagrados: poesía

Safo (c. 600-? a.C.)

 

Safo saltando al mar desde el promontorio leucadio
Théodore Chassériau, 1840

 

Poeta lírica griega cuya fama hizo que Platón se refiriera a ella dos siglos después de su muerte como la décima musa. Nació en la isla de Lesbos, probablemente en Mitilene. Aunque no se sabe mucho acerca de su vida, perteneció al parecer a una familia noble y fue contemporánea del poeta lírico Alceo, de quien se supone fue su amante, y de Stesichorus. También se dice que se casó con un hombre rico de la isla de Andros y que tuvo una hija llamada Cleis. Otra leyenda, que no merece credibilidad alguna, sostiene que, tras ser rechazada por el joven marino Faón, se arrojó desde un acantilado en Léucade (una isla de la costa occidental de Grecia). No se sabe cuando murió, pero en sus poemas de última época se describe a sí misma como una anciana que goza de una vida tranquila, pobre, en armonía con la naturaleza.

Los fragmentos que hoy conservamos de sus poemas indican que Safo enseñó su arte a un grupo de mujeres jóvenes, con las que mantuvo una estrecha relación y para las que compuso sus odas nupciales cuando la abandonaron para casarse. El poeta Anacreonte (mediados del siglo VI a.C., es decir, una generación posterior a Safo), afirmaba, en referencia a este grupo, que Safo sentía un amor sexual por las mujeres; de ahí proceden los términos lesbianismo y safismo, que aluden a la homosexualidad femenina.

Safo escribió nueve libros de odas, epitalamios o canciones nupciales, elegías e himnos, pero apenas se conservan algunos fragmentos de todos ellos. Entre estos destaca la Oda a Afrodita, citada por el erudito Dionisio de Halicarnaso en el siglo I a.C. En el siglo XX se descubrió un papiro con nuevos fragmentos de sus poemas.

La poesía de Safo se caracteriza por la exquisita belleza de su dicción, su perfección formal, su intensidad y su emoción. Inventó el verso hoy conocido como oda sáfica (tres endecasílabos y un adónico final de cinco sílabas). Muchos poetas griegos posteriores asimilaron la influencia de Safo, en particular Teócrito.

 

Igual parece a los eternos Dioses

quien logra verse frente a ti sentado.

¡Feliz si goza tu palabra suave,

Suave tu risa!

A mí en el pecho el corazón se oprime

Sólo en mirarte; ni la voz acierta

De mi garganta a prorrumpir, y rota

Calla la lengua.

Fuego sutil dentro de mi cuerpo todo

Presto discurre; los inciertos ojos

Vagan sin rumbo; los oídos hacen

Ronco zumbido.

Cúbrome toda de sudor helado;

Pálida quedo cual marchita yerba;

Y ya sin fuerzas, sin aliento, inerte,

Muerta parezco.

 

http://es.wikipedia.org/wiki/Safo_de_Mitilene

 

Autores consagrados: prosa poética

Los barcos de papel

 

 

Rabindranath Tagore

Todos los días echo mis barcos de papel al río, donde flotan y, uno tras otro, son arrastrados por la corriente.

En ellos he escrito, con grandes letras negras, mi nombre y el nombre de mi pueblo.

Confío en que alguien los encontrará, en un país lejano, y así sabrá quién soy.

Cargo mis barquitos con flores de shiuli cogidas en nuestro jardín, y espero que estas flores abiertas al amanecer tendrán la suerte de llegar al país de la noche.

Después de haber echado al agua mis barcos de papel, levanto los ojos al cielo y veo que las nubecillas preparan sus velas blancas y combadas.

Tal vez algún amiguito juegue conmigo desde el cielo, lanzándolas al viento, para que compitan con mis barcos...

Cuando llega la noche, hundo la cabeza entre mis brazos y sueño que mis barcos de papel bogan sin cesar, cada vez más lejos, bajo la claridad de las estrellas de la medianoche.

Las hadas del sueño viajan en ellos, y llevan por carga sus cestos llenos de ensueños.

http://es.wikipedia.org/wiki/Rabindranath_Tagore

 

A la hora de escribir los maestros opinan...

Consejos dados por Anton Chejov a Alexéi M. Peshkov (Máximo Gorki)

Yalta, 3 de diciembre de 1898

Me pregunta cuál es mi opinión sobre sus cuentos. ¿Qué opinión tengo? Un talento indudable, y además un verdadero y gran talento. Por ejemplo, en el cuento "En la estepa crece" con una fuerza inhabitual, e incluso me invade la envidia de no haberlo escrito yo. Usted es un artista, una persona sabia. Siente a la perfección. Es plástico, es decir, cuando representa algo, lo observa y lo palpa con las manos. Eso es arte auténtico. Esa es mi opinión y estoy muy contento de poder expresársela. Yo, repito, estoy muy contento, y si nos hubiésemos conocido y hablado en otro momento, se hubiese convencido del alto aprecio que le tengo y de qué esperanzas albergo en su talento.

¿Hablar ahora de los defectos? No es tan fácil. Hablar sobre los defectos del talento es como hablar sobre los defectos de un gran árbol que crece en un jardín. El caso es que la imagen esencial no se obtiene del árbol en sí, sino del gusto de quien lo mira. ¿No es así?

Comenzaré diciéndole que, en mi opinión, usted no tiene contención. Es como un espectador en el teatro que expresa su entusiasmo de forma tan incontinente que le impide escuchar a los demás y a sí mismo. Especialmente esta incontinencia se nota en las descripciones de la naturaleza con las que mantiene un diálogo; cuando se leen, se desea que fueran compactas, en dos o tres líneas. Las frecuentes menciones del placer, los susurros, el ambiente aterciopelado y demás, añaden a estas descripciones cierta retórica y monotonía, y enfrían, casi cansan. La falta de continencia se siente en la descripción de las mujeres ("Malva", "En las balsas") y en las escenas de amor. Eso no es oscilación y amplitud del pincel, sino exactamente falta de continencia verbal. Después es frecuente la utilización de palabras inadecuadas en cuentos de su tipo. Acompañamiento, disco, armonía: esas palabras molestan. [...] En las representaciones de gente instruida se nota cierta tensión, como si fuera precaución; y esto no porque usted haya observado poco a la gente instruida, usted la conoce, pero no sabe exactamente desde qué lado acercarse a ella. ¿Cuántos años tiene usted? No lo conozco, no sé de dónde es ni quién es, pero tengo la impresión de que aún es joven. Debería dejar Nizhni [Nizhni-Novgorod] y durante dos o tres años vivir, por así decirlo, alrededor de la literatura y los círculos literarios; esto no para que nuestra generación le enseñe algo, sino más bien para que se acostumbre, y siente definitivamente la cabeza con la literatura y se encariñe a ella. En las provincias se envejece pronto. Korolenko, Potapenko, Mamin [Mamin-Sibiriak], Ertel, son personas excelentes; en un primer momento, quizás le resulte a usted aburrido estar con ellos, pero después, tras dos años, se acostumbrará y los valorará como merecen, y su compañía le servirá para soportar la desagradable e incómoda vida de la capital.

http://es.wikipedia.org/wiki/Ant%C3%B3n_Ch%C3%A9jov

 

Encuesta

Hipatia de Alejandría fue:

- La protagonista de una película de Amenábar

- Un personaje de ficción

- Una matemática, filósofa y astrónoma egipcia

 



Hipatia, imaginada por el pintor prerrafaelista inglés
Charles William Mitchell (1885).



Hipatia (Ὑπατία [i.pa.'tj.a] en griego; Alejandría, 355 o 370 – ibídem, marzo de 415 o 416) fue una filósofa y maestra neoplatónica griega, natural de Egipto, que se destacó en los campos de las matemáticas y la astronomía, miembro y cabeza de la Escuela neoplatónica de Alejandría a comienzos del siglo V. Seguidora de Plotino, cultivó los estudios lógicos y las ciencias exactas, llevando una vida ascética. Educó a una selecta escuela de aristócratas cristianos y paganos que ocuparon altos cargos, entre los que sobresalen el obispo Sinesio de Cirene —que mantuvo una importante correspondencia con ella—, Hesiquio de Alejandría y Orestes, prefecto de Egipto en el momento de su muerte.

Hija y discípula del astrónomo Teón, Hipatia es la primera mujer matemática de la que se tiene conocimiento razonablemente seguro y detallado. Escribió sobre geometría, álgebra y astronomía, mejoró el diseño de los primitivos astrolabios —instrumentos para determinar las posiciones de las estrellas sobre la bóveda celeste— e inventó un densímetro.

http://es.wikipedia.org/wiki/Hipatia

 

Nota.- Tres personas respondieron acertadamente a la encuesta.

 

El humor no está reñido con la cultura

Oro - Plata - Bronce
Con motivo de los Juegos Olímpicos 2012 en Londres

Juan Palazzo. Biografía

Juan Palazzo

 

No encontré imagen para añadir, es uno de los “escritores argentinos olvidados”

Biografía.- (1893 / 1921), nació en Buenos Aires. Hijo de inmigrantes italianos, se destacó como notable narrador de cuentos, imprimiéndole una fisonomía original.

En 1921 publicó La casa por dentro, libro que la crítica acogió con cierta generosidad.

Con sus relatos incorporó el sentido de una clase, las contradicciones de una vida social y el mundo extraño del suburbio.

Pudo ver publicado su único libro gracias a la generosidad del escultor Agustín Riganelli  que costeó la edición. Enfermo de los pulmones viaja a reponerse al Sanatorio Santa María en la provincia de Córdoba, pero fallece ese mismo año.

Fue precursor del Grupo de Boedo. Manuel Gálvez escribió al respecto de su muerte en la publicación Nosotros: “Tengo la sensación que la novela argentina ha perdido tal vez el único hombre capaz de una obra genial"

Relato de Juan Palazzo: Mi patio

La casa por dentro - 1921

Córdoba - España - Patio estilo árabe
Foto: Juana Castillo Escobar - 24-XII-2009

Juan Palazzo (1893-1921)

Mi patio

 

A Albino Chiariello, intenso, individual y estremecedor paisajista de extramuros.

 

Yo también tengo mi patio, un patio pintoresco y humilde, alegre y sombrío; un patio que en las tardes invernales se sume en penumbra y durante la primavera resplandece de luz. Yo siento por mi patio un apego orgánico, que aumenta con los años. Es una especie de íntimo cariño, como el que sentimos por un rostro familiar, por un objeto querido, por el retrato de un ausente, por la voz templada y afectiva que oímos de la madre al regresar de un largo viaje... Lo quiero, porque en él aprendí a caminar, porque ha sido el sitio de mis primeros juegos y el mudo testigo de las nacientes ilusiones. Lo considero mío, porque allí pasé horas gratas y feas, felices y trágicas. No en balde transcurrieron veinte años, la mitad de una existencia. En cuatro lustros ocurren grandes acontecimientos y se ven muchas cosas; una vida santa, que cierra los ojos con la resignación del cristiano; otra vida pura, que agoniza poco a poco en el cuarto silencioso; otra más, tenaz y fuerte, que se quiebra a pesar de todo. ¿Hay algo de mayor intensidad que esto? Luego, el mundo de sensaciones cotidianas, simpáticas y siempre nuevas. Oír, al levantarse, pasos que se alejan, murmullos de voces, correrías de niños. Contemplar la casa a distinta hora y en diversa estación. Sentir el placer de estar solo y en compañía. Pasar, en fin, por una escala de matices sensoriales, que en conjunto constituye la vida. Por lo tanto, emotivamente, para mí vale más que una mansión señorial.

Esta noche el patio aparece blanco. Mientras los demás duermen, yo lo miro extasiado. La luna derrama una transparente claridad, que es gris de escarcha en la ropa tendida; capullo de seda en los intersticios de las hojas; nieve, nieve pura, pero cálida, en los cuadrados que tapiza el suelo. Por los rincones vagan las sombras. Algunas se alargan, finas, traslúcidas; otras cortadas; otras curvas; otras densas, voluminosas.

La magnolia que sirve de centro y en cuya copa anidan gorriones, surge gigante, extraña, esquelética, reflejando en el paredón el zigzag de su ramaje. Las plantas, húmedas de rocío, se abisman en la sombra y parpadean en la láctea lunar. Las puertas cerradas, se dirían de ermitas o celdas conventuales. En sus vidrios blanquea la cortina de la gente pobre. Los postigos, sin embargo, atajan el claror nocturno. Pero en mi pieza penetra, porque la he abierto de par en par, ansioso de verla siquiera un instante envuelta en rica magnificencia. Es la hora del conticinio, la hora del general silencio. Nadie lo turba, nadie anda. Todos yacen en la cama, entregados al descanso, que es el egoísmo del único bienestar que gozan. Sólo a intervalos interrumpe el silencio las armónicas campanadas de un gran reloj cercano, cuyos golpes suenan en el fondo acompasados y lentos: pam, pam, pam. Luego, otra vez la calma, el misterio, la idealidad.

Esta noche mi patio es la poesía misma. Nunca termino de acariciar con los ojos su aspecto subjetivo. Principalmente el octogonal aljibe y esas sábanas que caen de las cuerdas, serenas, amplias como velas desplegadas. ¡Qué fresca sensación producen las ropas tendidas! ¡Cuánta pureza y blancura! ¡Cómo atraen en la honda quietud de la alta noche y en un patio original como el mío! Yo estoy solo, y lo mismo que el inmortal poeta de las Noches,

Plego mi boca y callo

para escuchar en silencio,

mi corazón hablar bajo.

Yo estoy solo, y siempre quisiera que mi soledad fuera así, mezcla de esperanza, de afirmación y ensanchamiento emocional. Yo estoy solo, y velo por lo otros, tristes seres de caras afligentes y miradas pálidas, que viven en la penuria. Mi aliento es para ellos, mi espíritu los acompaña, porque son parte de mi existencia. En cada corazón anhelaría depositar una luz que los guíe eternamente. En cada cueva desearía que entrara una nubecilla de luna. Mas, ved; los postigos permanecen herméticos y todos duermen ajenos a mi lirismo. No quieren saber nada de estas cosas. Pero yo respeto esa indiferencia. Que duerman dichosos...

La noche avanza, el alba se aproxima. Mientras el día viene, de súbito, bruscamente, oigo que un hombre tose, tose fuerte, bramando, con sacudidas espasmódicas capaces de romper las entrañas. Sus arranques me ataladran los oídos. Y me pongo a pensar. He ahí otro árbol que cae y ya no sirve para nada; otra vida inútil que aguarda a la Ingrata.

Mi patio es así, pintoresco y terrible, luminoso y sombrío, alegre y trágico. De día lo anima el ir y venir de vecinos. De noche se recoge. En verano es algo que causa solaz y en invierno nubla los ojos, atrista el alma y hasta provoca la tos. A veces me parece el paraíso y otras el luctuoso patio de un hospital.

Por todo esto yo lo amo.

Escritores españoles contemporáneos a Virginia Woolf - Trabajo realizado por Francis Gracián

Benito Pérez Galdós nació en las Palmas de Gran Canaria, aunque casi toda su vida transcurrió en Madrid. . Conocía muy bien casi toda España y viajó también por el extranjero. Intervino en el vida política -llegó a ser diputado- y perteneció a la Academia de la Lengua. Sus últimos años fueron muy tristes: pérdida de la vista, dificultades económicas, trato injusto de su obra y su persona, atacadas por algunos sectores intransigentes de la sociedad española.

Obra Narrativa

1. Los episodios nacionales

Es un conjunto de cuarenta y seis novelas poco extensas, divididas en cinco series. Con ellas pretendió hacer la historia novelada de gran parte del siglo XIX: desde 1805 - derrota de Trafalgar- hasta 1875- Restauración de la monarquía borbónica. Galdós mezcla personajes de ficción con personajes históricos, importantes acontecimientos políticos y militares con sucesos cotidianos y privados. Consiguiendo de esta forma recrear una historia palpitante, cercana al vivir y sentir de sus contemporáneos. Los mejores títulos pertenecen a la primera serie: Trafalgar, Bailin, Zaragoza, Gerona,

2. Las primeras novelas

Las primeras novelas son de tesis. En ellas el autor, con el propósito de defender una ideología concreta, crea unos personajes y modela una realidad en función de lo que quiere manifestar. Los personajes son tipos que encarnan una idea y se dividen tajantemente, con un maniquismo primario, en buenos y malos. Las dos novelas más representativas son "Doña Perfecta"(1876) y "Gloria"(1877) , en las que se ataca la intransigencia y el fanatismo. En la primera el conflicto se plantea entre la intolerancia, soberbia e hipocresía de doña Perfecta y el progresismo liberal de su sobrino, Pepe Rey, que acabará siendo víctima de aquélla. En Gloria es la intransigencia religiosa la que impide la unión de dos personas que se quieren, pero que son de distinta religión.

 

 

 

3. Las "Novelas españolas contemporáneas"

Así denominó el propio Galdós a su grupo de novelas entre las que se encuentran los mejores títulos de su obra. Abandonadas las novelas de tesis, Galdós se convierte en un observador crítico, pero imparcial, de la sociedad española. Las principales características de estas novelas son la creación de ambientes reflejados con admirable exactitud, y la caracterización de personajes, que ya no serán tipos esquemáticos, sino figuras llenas de verdad y vida. El autor analiza la historia de su vida - la segunda mitad del siglo XIX -, el ambiente popular, los diversos estamentos sociales; pero será Madrid el centro de su visión: Madrid con sus calles, comercios, casas de huéspedes, tertulias de café, barrios pobres; y sus personajes: mendigos, burgueses ricos y burgueses venidos a menos, nobles arruinados, clérigos, cesantes, jornaleros, liberales y reaccionarios, fanáticos, estrafalarios, mezquinos, bondadosos e hipócritas...

Los principales títulos son: La desheredada (1881), El amigo Manso (1882), Tormento (1884), La de Bringas (1884), Miau (1888) y Fortunata y Jacinta (1886-1887), su obra maestra, en la que Galdós traza, enmarcado en un amplísimo panorama social, el inolvidable retrato de las dos protagonistas: Jacinta, la esposa virtuosa y pasiva, representante de una clase media segura y conformista, y Fortunata, la mujer del pueblo, espontánea, apasionada e instintiva. En medio de las dos mujeres, Juanito Santa Cruz, el joven burgués, egoísta y frívolo, mimado e irresponsable, marido de la primera y amante de la segunda.

4. Las últimas novelas 

Las obras escritas en la década de 1890 manifiestan un cambio, aunque el procedimiento literario empleado - la exacta observación de la realidad - siga siendo el mismo. Ahora aparece una corriente espiritualista en los duros ambientes que el autor sigue mostrando. Galdós crea unos personajes que, movido por un profundo sentido cristiano, renuncian a todo para entregarse a sus prójimos. Las dos novelas mas representativas son Nazarín (1895) y Misericordia (1897), una de sus mejores obras, en la que la caridad y bondad de la protagonista, Benina -el personaje más auténticamente evangélico de toda la literatura española-, se enfrenta con el egoísmo que la rodea.

Realismo y estilo

Galdós es un gran creador de ambientes, costumbres, situaciones y acontecimientos. Para ello observaba atentamente, anotaba y recopilaba datos. Por esta razón, y en la línea del mejor realismo, sus páginas producen el efecto de lo visto o vivido. Los personajes, tan variados, están caracterizados por pequeños detalles - forma de hablar, gestos -. En algunos cala en lo mas hondo de sus almas, gracias a su acusado conocimiento de los hombres y a su profunda intuición.

 

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Gustavo Adolfo Bécquer

Cuando uno piensa en poesía española, muchas veces hay imagines de amor y romance que se vienen a la mente. El poeta Gustavo Adolfo Bécquer es una de estas poetas españolas que escribió casi cada obra sobre el tema de amor: amor grande, amor apasionado, amor perdido, aun amor prohibido. Hoy en día, Bécquer está considerado como una de los poetas más famosos del mundo hispano y sus obras son esenciales para el estudio de literatura hispana. Se puede ver la influencia de su trabajo en clases de literatura en todos partes del mundo y también en poetas más contemporáneas como Octavio Paz.

Bécquer nació en Sevilla, España en febrero de 1836 con el apellido de Domínguez Bastida, pero escogió a usar el apellido de su padre como su hermano con quien tenía una gran amistad y quien estaba una artista también. Desafortunadamente, el juventud de Bécquer estaba llena de tristeza-cuando tenía solamente cinco años, su padre se murió y solamente seis años después, su madre también. Por eso, Bécquer estaba criado en muchas casas en su juventud incluyendo con su tío, y también con una amiga de la familia que se llamaba doña Manuela Monahay. En la casa de ella es donde encontró Bécquer por primera vez el mundo vasto de literatura: en la biblioteca extensa de su doña. Cuando vivía allá, la poeta joven casi nunca salió y siempre estaba en la biblioteca con sus libros.

En 1854, cuando tenía dieciocho años, Bécquer fue a Madrid para seguir su pasión de poesía. Al primer, Bécquer fue pobre y vivió una vida triste, y finalmente no tenía que ir a un periódico para ganar dinero, aunque todavía tenía su sueno. El viajaba entre varios trabajos para sobrevivir pero nunca duraba por mucho tiempo. En 1858, el poeta conoció a una mujer que se llamaba Julia Espín, que lo influyo en sus poemas. En el año 1861, Bécquer conoció a su futura esposa, Casta Esteban Navarro y ellos se casaron en el mismo año. Pero, la creencia común sobre este relación es que estaba forzado de los padres de Casta y que Bécquer estaba enamorado de otra mujer que se llamaba Elisa Guillén. Entonces, es ella y no su esposa que le dio a Bécquer mucho de su inspiración para sus rimas famosas. Es interesante para ver que un hombre tan romántico como Bécquer tenía tantos problemas de amor en su vida.

 

El hermano de Bécquer, Valeriano, y el tenían un relación muy cerca. Ellos vivían y estudiaban juntos por muchos años después de que sus padres habían muerto. Por eso, en 1870 cuando se murió Valeriano, Bécquer estaba deprimido y en menos de tres meses después, Bécquer se murió también en Madrid en el veintidós de diciembre-todavía pobre y triste.

Cuando vivió, Bécquer no era tan famoso como hoy en día. Pero, cuando estaba en Madrid lo conoció a una poeta cubano que se llamaba Rodríguez Correa que, después de se murió Bécquer, comenzó a formar el libro de sus rimas de varios recursos-la mayoría viniendo de un libro escrito por mano de Bécquer. En unos casos las rimas estaban memorizadas de amigos y estudiantes y por eso tenían una gran influencia en generaciones siguientes de poetas en Madrid y España en particular.

Una de las obras famosas de Bécquer es "Rimas y Leyendas." Esto se esta leyendo en muchos de los colegios en España. Otra obra de Bécquer es "Memorias de un Pavo" que esta sobre un pavo en un viaje de la finca a la ciudad. El pavo habría comido en la ciudad. Esto es un ejemplo de un narrativo, y es una obra que tiene mucha imaginación.

Unas de las rimas más famosas de Bécquer es la rima cincuenta tres:

Volverán las oscuras golondrinas                                              
En tu balcón sus nidos a colgar
Y otra vez con el ala a sus cristales,
Jugando llamarán.
Pero aquellas que el vuelo refrenaban
Tu hermosura y mi dicha a contemplar.
Aquellas que aprendieron nuestros nombres,
¡Esas... no volverán!

 

Rima veintiuno:

¿Qué es poesía? dices mientras clavas

en mi pupila tu pupila azul.

¿Qué es poesía? ¿Y tú me lo preguntas?

Poesía... eres tú.

 

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Miguel de Unamuno y Jugo (Bilbao, 29 de septiembre de 1864 - Salamanca, 31 de diciembre de 1936), escritor, y filósofo español. En su obra cultivó gran variedad de géneros literarios, como decía Ramón Pérez de Ayala: "Con tal originalidad como si se tratase literalmente de 'géneros', que él cortaba y utilizaba a su antojo".

Nacido en la calle Ronda del Casco Viejo de Bilbao. Era el tercer hijo y primer varón, tras María Felisa y María Jesusa, del matrimonio habido entre el comerciante Félix de Unamuno y su sobrina carnal, Salomé Jugo. Más tarde nacerán Félix, Susana y María Mercedes. A los diez años, al acabar sus primeros estudios en el colegio de San Nicolás y a punto de entrar en el instituto, asiste como testigo al asedio de su ciudad durante la Tercera Guerra Carlista (lo que luego reflejará en su primera novela, "Paz en la guerra")

Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Madrid, obteniendo la calificación de Sobresaliente en 1883, a sus diecinueve años. Al año siguiente, se doctora con una tesis sobre la lengua vasca: Crítica del problema sobre el origen y prehistoria de la raza vasca, en la que anticipa su idea sobre el origen de los vascos que era contraria a las afirmaciones del nacionalismo vasco que propugnaba una raza vasca no contaminada por otras razas.

 

 

En 1885 comienza a trabajar en un colegio como profesor de latín y psicología y publica un artículo titulado "Del elemento alienígena en el idioma vasco" y otro costumbrista "Guernica", aumentando su colaboración en 1886 con el "Noticiero de Bilbao".

Obras literarias de Unamuno:

Correspondencia inédita: Marañón, Ortega, Unamuno 2008

Paisajes del alma 1997

Antología poética 1993

Diario íntimo 1970 (1998)

Cancionero 1953

El otro 1932

Don Sandalio, jugador de ajedrez 1930 (2005)

San Manuel Bueno, mártir 1930 (1990)

Romancero del destierro 1928

Cómo se hace una novela 1927

De Fuerteventura a París 1925

La agonía del cristianismo 1925

Teresa. Rimas de un poeta desconocido 1924

Rimas de dentro 1923

Andanzas y visiones españolas 1922 (2006)

La tía Tula 1921 (2009)

El Cristo de Velázquez 1920

Tres novelas ejemplares y un prólogo 1920 (1998)

Tulio Montalbán 1920

Abel Sánchez. Una historia de pasión 1917 (1995)

Niebla 1914 (1990)

Del sentimiento trágico de la vida en los hombres y en los pueblos 1913 (1998)

El espejo de la muerte 1913 (2009)

Por tierras de Portugal y España 1911 (2006)

Rosario de sonetos líricos 1911

Recuerdos de niñez y mocedad 1908

Poesías 1907 (1997)

Vida de Don Quijote y Sancho 1905

Amor y pedagogía 1902 (2006) En torno al casticismo 1895

La esfinge 1898

La venda 1889

Paz en la guerra 1895 (1999)

 

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Antonio Machado Ruiz (Sevilla, 26 de julio de 1875 – Collioure, Francia, 22 de febrero de 1939) fue un poeta español, miembro tardío de la Generación del 98 y uno de sus miembros más representativos. Su obra inicial suele inscribirse en el movimiento literario denominado Modernismo.

Antonio Machado nació el 26 de julio de 1875 en Sevilla. Fue el segundo de cinco hermanos de una familia liberal; el mayor de ellos, Manuel, trabajó junto a Antonio en varias obras. Su padre, Antonio Machado Álvarez «Demófilo», amigo de Joaquín Costa y de Francisco Giner de los Ríos, publicó numerosos estudios sobre el folclore andaluz y gallego. Su abuelo, Antonio Machado Núñez, era médico y profesor de Ciencias Naturales.

En 1883, su abuelo fue nombrado profesor de la Universidad Central de Madrid y toda la familia se traslada con él a dicha ciudad. Antonio Machado completa entonces su formación en la célebre Institución Libre de Enseñanza, fundada por Francisco Giner de los Ríos.

En 1889 empieza sus estudios de bachillerato, primero en el instituto San Isidro y después en Cardenal Cisneros. Es en esa época cuando se aficiona al teatro junto a su hermano, y comienza a asistir a tertulias. Machado interrumpe varias veces sus estudios, afectado por los problemas económicos de su familia tras la muerte de su padre por tuberculosis en 1893 y su abuelo, tres años más tarde. El influjo familiar y su centro de estudios marcaron su camino intelectual. Por aquella época, conoce a Valle-Inclán en una tertulia. Trabaja en la parte de los verbos, en el Diccionario de ideas afines.

En 1899, Antonio Machado viaja a París, donde vive su hermano el poeta Manuel, con quien en lo sucesivo emprenderá una carrera conjunta de autores dramáticos, y trabaja de traductor para la Editorial Garnier. Allí entrará en contacto con, por ejemplo, Oscar Wilde y Pío Baroja y asiste a las clases del filósofo Henri Bergson, que le impresionan profundamente. Vuelve a España y trabaja de actor mientras alcanza el título de bachiller.

En 1902 vuelve a París y conoce a Rubén Darío. De vuelta a Madrid entabla amistad con Juan Ramón Jiménez y publica Soledades (1903).

En 1907 publica Soledades, Galerías y Otros poemas, una versión ampliada de Soledades, y gana las oposiciones al puesto de catedrático de francés. Elige la vacante del instituto de Soria, donde entabla amistad con Vicente García de Diego que era catedrático de latín y griego del mismo instituto. Conoce a Leonor Izquierdo, que trabajaba en casa de Vicente García de Diego, con la que se casará dos años después; teniendo ella 15 y él 34 años.

En 1911 viajará a París al conseguir una beca para ampliar sus estudios.

Leonor cae enferma de tuberculosis y muere en 1912, lo que sume a Machado en una gran depresión y éste solicita su traslado a Baeza (Jaén), donde vivirá con su madre dedicado a la enseñanza y al estudio. Durante siete años, hasta 1919, el poeta enseña Gramática Francesa en el Instituto de Bachillerato instalado en la Antigua Universidad baezana.

En 1912 publica Campos de Castilla, obra en la que el autor se separa de los rasgos modernistas que presentaba su obra Soledades y del intimismo hacia el que había evolucionado en Soledades, galerías y otros poemas, acercándose a las inquietudes patrióticas de los autores de la Generación del 98; en efecto, ha mantenido una amplia correspondencia epistolar con Miguel de Unamuno y algunas de sus ideas se reflejan en este libro. En Baeza, en 1917, conoce a Federico García Lorca, con el que entabló gran amistad.

En 1919 se traslada a Segovia, donde encontrará un ambiente cultural más acorde con sus gustos y comenzará a participar en las actividades de la reciente Universidad Popular, que tiene como objetivo la extensión de la cultura a los sectores sociales tradicionalmente más apartados de ella. Así, fue profesor de francés en el Instituto de Segovia, donde conoció a Mariano Quintanilla. Continuará hasta 1932.

En 1932 se le concede un puesto de profesor en el Instituto Calderón de la Barca, de Madrid.

Escribe textos en prosa que luego serán recogidos en los dos apócrifos Juan de Mairena y Abel Martín. Por entonces corteja a una dama casada, Pilar Valderrama, que en los versos de Nuevas canciones (1924), su último libro de poesía, progresivamente ampliado, como los otros, aparece bajo el nombre de Guiomar. Siente un gran interés por la Filosofía y se licencia a trancas y barrancas en esta materia en la Universidad Central.

Con el estallido de la Guerra Civil Española marcha a Valencia. Vivió en la localidad de Rocafort desde noviembre de 1936 hasta marzo de 1938. En 1937 publica La guerra. Entre 1937 y 1939, Machado publica un total de 26 artículos en La Vanguardia (que en aquella época era el órgano de expresión del gobierno de la República y recogía firmas de los más destacados intelectuales y escritores que apoyaron la causa republicana).

A finales de enero de 1939, y ante la inminente ocupación de la ciudad, sale de Barcelona viajando con Joaquín Xirau Palau en una ambulancia que les fue proporcionada por José Puche Álvarez, Director General de Sanidad. Tras unos primeros días en Raset (Gerona), pasa su última noche en España, la del 26 al 27 de enero, en Viladasens. En la tarde del día 28 llega finalmente a Collioure (Francia), en donde muere el día 22 de febrero en el Hotel Bougnol-Quintana. A los tres días, fallece su madre. En el bolsillo de su abrigo se encuentra un último verso: «Estos días azules y este sol de la infancia».

En febrero de 2010 la especialista en Machado, Monique Alonso, hizo público que, poco antes de morir el poeta, la Universidad de Cambridge le había enviado una carta ofreciéndole un puesto en su rectorado. La carta llegó a Collioure al día siguiente de su entierro.

OBRA

Su obra poética se inicia con Soledades (1903), que fue escrita entre 1899 y 1902. En el breve volumen notamos ya muchos rasgos personales que caracterizarán su lírica posterior.

En Soledades, Galerías y otros poemas (octubre de 1907) la voz del poeta se alza con personalidad propia. En este mismo año, se instala en la ciudad de Soria para enseñar francés. En esta ciudad conocerá a la que será su esposa, Leonor. Quizá lo más típico de esa personalidad sea el «tono» nostálgico, suavemente melancólico, aun cuando hable de cosas muy reales o de temas muy de la época: jardines abandonados, parques viejos, fuentes, etcétera; espacios a los cuales va aproximándose a través del recuerdo, del sueño o de las ensoñaciones.

La poesía de Machado se aleja de la concepción modernista de que ésta es meramente forma y la suma de las artes. No importa tanto la forma, la musicalidad, la buena rima, si no se cuenta nada íntimo y personal. El verbo es lo más importante, porque expresa el tiempo, la temporalidad que él considera esencial. «El adjetivo y el nombre / remansos del agua limpia / son accidentes del verbo / en la gramática lírica / del hoy que será mañana / del ayer que es todavía». Pero no desdeña algunos de los ropajes modernistas, aunque sin abusar de los mismos, usa una compleja red de símbolos personales (el viajero, el camino, la fuente, la luz, la tarde, las abejas, las moscas, las galerías, el agua que fluye, la noria...) y aporta una nueva estrofa, la silva arromanzada, compuesta por versos imparisílabos de arte mayor y menor, incluidos alejandrinos de 7 + 7, con rima asonante en los pares.

La poesía, «una honda palpitación del espíritu», es la expresión íntima del sentimiento personal del poeta, pero, aunque íntima, pretende ser universal: es «el diálogo del hombre, de un hombre, con su tiempo». La poesía es un diálogo de un hombre con el tiempo de cada uno. El poeta pretende eternizar ese tiempo objetivo para que permanezca vivo el tiempo psíquico del poeta, para que sea universal.

Rechaza el Creacionismo porque cultiva la imagen como algo en sí mismo. También le da mucha importancia al sentimiento que ha de impregnar la imagen. Las imágenes que no parten del sentimiento, sino sólo del intelecto, no valen nada. También rechaza la poesía surrealista, porque no tiene estructura lógica. Para él esto es una deshumanización, que no comparte. La poesía debe hablar con el corazón.

(Fuente: Wikipedia) - Francisca Gracián Galbeño

Imágenes- Internet y de archivo – Juana Castillo Escobar

 

 

Pintores coétaneos a Virginia Woolf

Pintores coétaneos a Virginia Woolf

Trabajo realizado por Isabel Fraile Hernando

Arthur Trevor Haddon (1864-1941).- El artista británico Arthur Trevor Haddon fue a la vez pintor al óleo y acuarelista que se especializó en paisajes, marinas...  Era también un retratista habilidoso, y pintor de figuras. En 1883, a la edad de 19 años, ganó una beca de tres años en las escuelas Slade en Inglaterra y más tarde estudió pintura en Roma y Madrid.

 Haddon viajó mucho, pintó paisajes de Europa y en el continente americano, así como en el Pacífico Sur.  Vivió principalmente en Londres, pero también residió en Cambridge y por un tiempo en Roma.  Durante su carrera escribió varios libros sobre sus viajes y el arte.

Miembro de la Real Sociedad de artistas británicos desde 1896 hasta su muerte en 1941, el artista realizó numerosas exposiciones y ganó premios en prestigiosos escenarios como la galería de la calle Suffok, la Real Academia, la sociedad de la acuarela. Realizó diversas exposiciones en otras importantes galerías de su época.
 

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Dame Laura Knight. (4 agosto 1877 - 7 julio 1970) fue una pintora inglesa impresionista  conocida por pintar el mundo del teatro de Londres, el ballet y el circo. Laura Johnson nació en Long Eaton, Derbyshire. Hija de Charles Johnson y Charlotte.  Su padre murió poco después de su nacimiento, y Laura se crió en una familia que luchó con problemas financieros. En 1899 fue enviada a Francia con la intención de que estudiara arte en un taller de París.

Después de un breve periodo de tiempo en las escuelas francesas, regresó a Inglaterra.  Allí, a la edad de 23 años, entró en la Escuela de Arte de Nottingham, fue una de las estudiantes más jóvenes en unirse a la escuela.

 En la escuela, Laura conoció a uno de los estudiantes más prometedores, Harold Knight (1874-1961), de 27 años, y determinó que el mejor método de aprendizaje fue copiar la técnica de Harold.  Se hicieron amigos, y se casaron en 1903.

En 1907, los Knight se trasladaron a la colonia de artistas en Newlyn, Cornwall, junto a Lamorna Abedul, Alfred Munnings y Aleister Crowley, donde pintó en un estilo impresionista. La Playa (1908), ampliamente admirada tanto por otros artistas y el público, es un ejemplo de este estilo.  Otro trabajo interesante es la pluma verde, que fue pintado en un día.  En 1913 pintó  Autorretrato con Desnudo, era la primera vez que una mujer artista,  se mostrase a sí misma con una modelo desnuda, la también artista Ella Naper.

 

Después de la Primera Guerra Mundial  se trasladó a Londres, donde  se reunió con algunos de los bailarines de ballet más famosos de la época, tales como Sergei Diaghilev 's Ballets Rusos con Lydia Lopokova y Enrico Cecchetti y Anna Pavlova.  En estas fechas llevó a cabo las obras más famosas de este período.

En 1929, fue nombrada Dama Comandante de la Orden del Imperio Británico, y en 1936 se convirtió en la primera mujer electa de la Real Academia .

Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó en varias comisiones para el Ministerio de Información 's War Artists Advisory Committee, y ella era uno de los tres británicos mujeres artistas de guerra que viajaron al extranjero. Sus trabajos durante este período incluyen a reparar (1941), un sitio del globo, Coventry (1942), Ruby Loftus atornillar una ruptura del anillo (1943),  Take Off (1944), talleres de la fábrica y muchachas de la tierra, entre muchos otros. 

Después de la guerra, fue la artista oficial de los Juicios de Nuremberg llevados a cabo contra los nazis criminales de guerra.  Un resultado fue el Dock, de Nuremberg (1946).

Continuó pintando en la década de 1960.  Produjo más de 250 obras en toda su vida, así como dos autobiografías, pintura al óleo y pintura de grasa (1936) y la magia de una línea (1965).

 

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George Owen Wynne Apperley.- (Ventnor, Isla de Wight, Inglaterra, 17 junio de 1884 – Tanger, septiembre de 1960) fue un pintor inglés que vivió durante muchos años en la ciudad de Granada (España).

Pertenecía a una familia aristocrática galesa, quedando huérfano de padre a los seis años. Desde pequeño se sintió atraído por la pintura y a pesar de la oposición familiar, pudo matricularse en la Herkomer Academy e iniciar en ella sus estudios artísticos. Sus padres no consideraban la profesión de pintor adecuada para un Apperley y mientras su padrastro se mostraba partidario de que ingresara en el ejército, la madre deseaba que su hijo sintiera vocación religiosa.2 Sin embargo su decisión de dedicarse a la pintura era firme y las presiones familiares no pudieron impedirlo.

En 1904 realizó un viaje a Italia, donde visitó diversas ciudades como Venecia y Roma. Se sintió atraído por la luz del Mediterráneo y realizó diferentes acuarelas en las que representó principalmente escenas costumbristas y grandes edificios históricos como la Basílica de San Marcos.

En 1907 se casó en secreto con Hilda Pope. La familia de la novia desaprobaba la unión y se trasladaron a Lugano (Suiza) para más tarde volver a Londres, donde permaneció unos años y tuvo dos hijos: Edward y Phyllis. En 1914, sin la compañía de su esposa, viajó a España y se estableció en Granada donde conoció a Enriqueta Contreras, que se convirtió en su compañera sentimental y a la que retrató en numerosas ocasiones a lo largo de su vida. Fruto de esta unión tuvo otros dos hijos: Jorge y Enrique.

En 1918 se celebró una exposición con sus trabajos en Madrid que fue inaugurada por el rey Alfonso XIII y su esposa Victoria Eugenia de Battenberg. A partir de entonces aumentó considerablemente su prestigio y consideración en el mundo artístico español.

En Granada se relacionó con pintores locales como Francisco Soria Aedo, José María Rodríguez Acosta y López Mezquita, integrándose en la vida de la ciudad e interesándose por el mantenimiento de las tradiciones y el patrimonio histórico. De esta época datan numerosas escenas que plasman los paisajes y vistas de Granada desde diferentes perspectivas.

En las décadas de 1920 y 1930 su estilo evolucionó, aproximándose mucho al que desarrolló Julio Romero de Torres y realizando diversos retratos costumbristas.

Tras la proclamación de la II República Española, en 1933 se trasladó con su familia a Tanger (Marruecos) donde permaneció hasta su muerte ocurrida en 1960, aunque realizó frecuentes viajes a Granada, donde siempre conservó su vivienda. En la ciudad marroquí se interesó por nuevos temas y quedó fascinado por el orientalismo y el encanto de la urbe y sus alrededores.

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William Clarke Wontner (17 de enero 1857 Stockwell , Surrey - 23 de septiembre 1930 en Worcester ), fue un pintor retratista inglés lleno de clasicismo académico y romántico Wontner nació en Stockwell , en Surrey , era hijo del notable arquitecto, diseñador y procesador  William Wontner Hoff (1814-1881) y Catherine Smith. Bajo la tutela de su padre, Wontner trabajó con John William Godward (1861-1922), un exponente notable de lo que se conoce como estilo greco-romano. Los dos estaban destinados a convertirse en grandes amigos.

Wontner fue un pintor relativamente menor que formaba parte del movimiento neo-clásico  en Inglaterra, dirigido por Alma-Tadema. Pintó a mujeres lánguidas y seductoras con telones de fondo de mármol, por lo general se trataba de mujeres clásicas u orientales. Su obra se exhibió en la Royal Academy de 1879, en la Sociedad de Artistas Británicos y en el Royal Institute of Painters in Water Colours.  Cuando la galería Grosvenor cerró en 1890, Wontner quedó expuesto en la Nueva Galería.

Wontner fue enterrado el 26 de septiembre de 1930 en Worcestershire .

 

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John William Godward.- (9 de agosto de 1861 – 13 de diciembre de 1922) fue un pintor artístico inglés del final de las eras Prerrafaelista / Neoclasicista.

Godward nació en 1861 y vivió en Wilton Grove, Wimbledon. Expuso en la Royal Academy a partir de 1887. Cuando se trasladó a Italia con una de sus modelos en 1912, su familia rompió todo contacto con él y cortó su imagen de los cuadros de la familia. Godward regresó a Inglaterra en 1919, murió en 1922 y fue enterrado en Cementerio de Brompton, Londres-Oeste.

Una de sus pinturas más conocidas es "Dolce far Niente" (1904), actualmente en la colección Andrew Lloyd Webber. Como en el caso de otras pinturas suyas, Godward pintó más de una versión, en este caso la primera (y menos conocida) versión de 1897.
Godward eran un Victoriano Neo-clasicista, y por lo tanto un seguidor de la obra de Frederic Leighton. Su obra es más próxima, estilísticamente, a la de Sir Lawrence Alma-Tadema, con quien compartió el gusto por la interpretación de arquitectura clásica, en particular, restos de edificios construidos en mármol.

La mayor parte de las imágenes existentes de Godward muestran a mujeres con el vestido clásico, planteado contra estos rasgos de paisaje, aunque haya algunas figuras semidesnudas o totalmente desnudas incluidas en su "oeuvre" (un ejemplo notable es "En el Tepidarium" (1913), un título compartido con una pintura polémica de Alma-Tadema, de la misma temática, que reside en la Lady Lever Art Gallery). Los títulos de sus obras reflejan la fuente de inspiración de Godward: Las Civilizaciones clásicas, más notablemente el caso de la Roma Antigua (de nuevo algo que une artísticamente a Godward estrechamente con Alma-Tadema), y en ocasiones la Grecia Antigua que proporciona lazos artísticos, aunque en un grado más limitado, con Frederic Leighton.

Considerando que el gusto Clásico era más extendido entre la audiencia potencial durante su vida que en el hoy día, la investigación meticulosa de detalle es importante para lograr su apreciación como artista en este género. Alma-Tadema fue, además de pintor, un arqueólogo que asistió a sitios históricos y recogió los elementos clásicos que más tarde usó en sus pinturas: Godward, también, estudió tales detalles (como la arquitectura y el vestido), para asegurar que sus trabajos llevaron el sello de autenticidad. Además, Godward trata minuciosa y meticulosamente otros rasgos importantes en sus pinturas: pieles de animales (las pinturas Noon Day Rest (1910) y A Cool Retreat (1910) contienen ejemplos magníficos de tal interpretación) y flores silvestres (Nerissa (1906), -ilustración adjunta- y Summer Flowers (Flores de verano) (1903) son excelentes ejemplos de esto).

Mujeres hermosas en posturas estudiadas en tantos lienzos de Godward causa a muchos que se acercan por primera vez a sus trabajos la idea de catalogarle, equivocadamente, como prerrafaelista, en particular por su paleta, a menudo con vibrante colorido. Sin embargo, la opción de los temas (civilización antigua contra, por ejemplo, la leyenda del Rey Arturo) lo situa, más correctamente, como artista Victoriano Neoclasicista: sin embargo, es apropiado comentar que en común con el numeroso grupo de pintores contemporáneos con él, Godward era un Alto Soñador Victoriano, fascinado con la producción de imágenes hermosas de un mundo que, debe ser dicho, fue idealizado e idealizada, y al cual en el caso tanto de Godward como de Alma-Tadema llegó a ser criticado como una visión del mundo de 'togas Victorianas'.

 

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Aubrey Vincent Beardsley.- (Brighton, Inglaterra, 21 de agosto de 1872- Menton, Francia, 16 de marzo de 1898) fue un artista pintor e ilustrador inglés. Uno de los más notables críticos de la sociedad victoriana, satírico e implacable, su obra despertó admiración y escándalo. Beardsley nació en Brighton. En 1883 su familia se estableció en Londres, y al año siguiente se dio a conocer al público como «niño prodigio», dando varios conciertos junto a su hermana. Estudió en la grammar school de Bristol en 1884, y en 1888 obtuvo un puesto en la oficina de un arquitecto. Después trabajó para la compañía de seguros Guardian Life and Fire.

En 1891, por consejo del famoso pintor prerrafaelista Sir Edward Burne-Jones y Pierre Puvis de Chavannes, se dedicó al arte profesionalmente, En 1892 acudió a clases en la Escuela de arte de Westminster, bajo el profesor Fred Brown.

En su corta vida, Beardsley se ganó la reputación de ser uno de los ilustradores ingleses más innovadores.

Produjo amplias ilustraciones para libros y revistas, como por ejemplo la edición de lujo de la obra de Sir Thomas Malory Le Morte d'Arthur, que se considera su primer encargo de importancia (1893); en esta obra se aprecian influencias de Burne-Jones.1

Fue editor de The Yellow Book (El libro amarillo) (1894-1895). Fue editor de arte durante las primeras cuatro ediciones y produjo muchas ilustraciones para la revista. También trabajó para revistas como The Savoy (1896, editada por Leonard Smithers) y The Studio. Ilustró Salomé (de su amigo Oscar Wilde) en 1893 para su representación francesa. En sus últimas obras el dibujo se complica, sintiéndose la influencia del rococó; así puede verse en su The Rape of the Lock de Pope (1895).3

También escribió Under the Hill, un cuento erótico inacabado basado vagamente en la leyenda de Tannhäuser, amén de relatos cortos y poesías. Pudo publicarlo en The Savoy.

Beardsley era un personaje público, así como un excéntrico privado perteneciente al círculo de amigos de Oscar Wilde. Dijo: «Sólo tengo un objetivo - lo grotesco. Si no soy grotesco no soy nada». Wilde dijo de él que tenía «una cara como un hacha de plata, y pelo verde hierba».

Beardsley estuvo activo hasta que murió de tuberculosis en Menton (Francia) con 25 años de edad.

 

Información obtenida de la Wikipedia - Isabel Fraile.
Imágenes Internet y de archivo - Juana Castillo Escobar.