Escritores españoles contemporáneos a Virginia Woolf - Trabajo realizado por Francis Gracián

Benito Pérez Galdós nació en las Palmas de Gran Canaria, aunque casi toda su vida transcurrió en Madrid. . Conocía muy bien casi toda España y viajó también por el extranjero. Intervino en el vida política -llegó a ser diputado- y perteneció a la Academia de la Lengua. Sus últimos años fueron muy tristes: pérdida de la vista, dificultades económicas, trato injusto de su obra y su persona, atacadas por algunos sectores intransigentes de la sociedad española.

Obra Narrativa

1. Los episodios nacionales

Es un conjunto de cuarenta y seis novelas poco extensas, divididas en cinco series. Con ellas pretendió hacer la historia novelada de gran parte del siglo XIX: desde 1805 - derrota de Trafalgar- hasta 1875- Restauración de la monarquía borbónica. Galdós mezcla personajes de ficción con personajes históricos, importantes acontecimientos políticos y militares con sucesos cotidianos y privados. Consiguiendo de esta forma recrear una historia palpitante, cercana al vivir y sentir de sus contemporáneos. Los mejores títulos pertenecen a la primera serie: Trafalgar, Bailin, Zaragoza, Gerona,

2. Las primeras novelas

Las primeras novelas son de tesis. En ellas el autor, con el propósito de defender una ideología concreta, crea unos personajes y modela una realidad en función de lo que quiere manifestar. Los personajes son tipos que encarnan una idea y se dividen tajantemente, con un maniquismo primario, en buenos y malos. Las dos novelas más representativas son "Doña Perfecta"(1876) y "Gloria"(1877) , en las que se ataca la intransigencia y el fanatismo. En la primera el conflicto se plantea entre la intolerancia, soberbia e hipocresía de doña Perfecta y el progresismo liberal de su sobrino, Pepe Rey, que acabará siendo víctima de aquélla. En Gloria es la intransigencia religiosa la que impide la unión de dos personas que se quieren, pero que son de distinta religión.

 

 

 

3. Las "Novelas españolas contemporáneas"

Así denominó el propio Galdós a su grupo de novelas entre las que se encuentran los mejores títulos de su obra. Abandonadas las novelas de tesis, Galdós se convierte en un observador crítico, pero imparcial, de la sociedad española. Las principales características de estas novelas son la creación de ambientes reflejados con admirable exactitud, y la caracterización de personajes, que ya no serán tipos esquemáticos, sino figuras llenas de verdad y vida. El autor analiza la historia de su vida - la segunda mitad del siglo XIX -, el ambiente popular, los diversos estamentos sociales; pero será Madrid el centro de su visión: Madrid con sus calles, comercios, casas de huéspedes, tertulias de café, barrios pobres; y sus personajes: mendigos, burgueses ricos y burgueses venidos a menos, nobles arruinados, clérigos, cesantes, jornaleros, liberales y reaccionarios, fanáticos, estrafalarios, mezquinos, bondadosos e hipócritas...

Los principales títulos son: La desheredada (1881), El amigo Manso (1882), Tormento (1884), La de Bringas (1884), Miau (1888) y Fortunata y Jacinta (1886-1887), su obra maestra, en la que Galdós traza, enmarcado en un amplísimo panorama social, el inolvidable retrato de las dos protagonistas: Jacinta, la esposa virtuosa y pasiva, representante de una clase media segura y conformista, y Fortunata, la mujer del pueblo, espontánea, apasionada e instintiva. En medio de las dos mujeres, Juanito Santa Cruz, el joven burgués, egoísta y frívolo, mimado e irresponsable, marido de la primera y amante de la segunda.

4. Las últimas novelas 

Las obras escritas en la década de 1890 manifiestan un cambio, aunque el procedimiento literario empleado - la exacta observación de la realidad - siga siendo el mismo. Ahora aparece una corriente espiritualista en los duros ambientes que el autor sigue mostrando. Galdós crea unos personajes que, movido por un profundo sentido cristiano, renuncian a todo para entregarse a sus prójimos. Las dos novelas mas representativas son Nazarín (1895) y Misericordia (1897), una de sus mejores obras, en la que la caridad y bondad de la protagonista, Benina -el personaje más auténticamente evangélico de toda la literatura española-, se enfrenta con el egoísmo que la rodea.

Realismo y estilo

Galdós es un gran creador de ambientes, costumbres, situaciones y acontecimientos. Para ello observaba atentamente, anotaba y recopilaba datos. Por esta razón, y en la línea del mejor realismo, sus páginas producen el efecto de lo visto o vivido. Los personajes, tan variados, están caracterizados por pequeños detalles - forma de hablar, gestos -. En algunos cala en lo mas hondo de sus almas, gracias a su acusado conocimiento de los hombres y a su profunda intuición.

 

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Gustavo Adolfo Bécquer

Cuando uno piensa en poesía española, muchas veces hay imagines de amor y romance que se vienen a la mente. El poeta Gustavo Adolfo Bécquer es una de estas poetas españolas que escribió casi cada obra sobre el tema de amor: amor grande, amor apasionado, amor perdido, aun amor prohibido. Hoy en día, Bécquer está considerado como una de los poetas más famosos del mundo hispano y sus obras son esenciales para el estudio de literatura hispana. Se puede ver la influencia de su trabajo en clases de literatura en todos partes del mundo y también en poetas más contemporáneas como Octavio Paz.

Bécquer nació en Sevilla, España en febrero de 1836 con el apellido de Domínguez Bastida, pero escogió a usar el apellido de su padre como su hermano con quien tenía una gran amistad y quien estaba una artista también. Desafortunadamente, el juventud de Bécquer estaba llena de tristeza-cuando tenía solamente cinco años, su padre se murió y solamente seis años después, su madre también. Por eso, Bécquer estaba criado en muchas casas en su juventud incluyendo con su tío, y también con una amiga de la familia que se llamaba doña Manuela Monahay. En la casa de ella es donde encontró Bécquer por primera vez el mundo vasto de literatura: en la biblioteca extensa de su doña. Cuando vivía allá, la poeta joven casi nunca salió y siempre estaba en la biblioteca con sus libros.

En 1854, cuando tenía dieciocho años, Bécquer fue a Madrid para seguir su pasión de poesía. Al primer, Bécquer fue pobre y vivió una vida triste, y finalmente no tenía que ir a un periódico para ganar dinero, aunque todavía tenía su sueno. El viajaba entre varios trabajos para sobrevivir pero nunca duraba por mucho tiempo. En 1858, el poeta conoció a una mujer que se llamaba Julia Espín, que lo influyo en sus poemas. En el año 1861, Bécquer conoció a su futura esposa, Casta Esteban Navarro y ellos se casaron en el mismo año. Pero, la creencia común sobre este relación es que estaba forzado de los padres de Casta y que Bécquer estaba enamorado de otra mujer que se llamaba Elisa Guillén. Entonces, es ella y no su esposa que le dio a Bécquer mucho de su inspiración para sus rimas famosas. Es interesante para ver que un hombre tan romántico como Bécquer tenía tantos problemas de amor en su vida.

 

El hermano de Bécquer, Valeriano, y el tenían un relación muy cerca. Ellos vivían y estudiaban juntos por muchos años después de que sus padres habían muerto. Por eso, en 1870 cuando se murió Valeriano, Bécquer estaba deprimido y en menos de tres meses después, Bécquer se murió también en Madrid en el veintidós de diciembre-todavía pobre y triste.

Cuando vivió, Bécquer no era tan famoso como hoy en día. Pero, cuando estaba en Madrid lo conoció a una poeta cubano que se llamaba Rodríguez Correa que, después de se murió Bécquer, comenzó a formar el libro de sus rimas de varios recursos-la mayoría viniendo de un libro escrito por mano de Bécquer. En unos casos las rimas estaban memorizadas de amigos y estudiantes y por eso tenían una gran influencia en generaciones siguientes de poetas en Madrid y España en particular.

Una de las obras famosas de Bécquer es "Rimas y Leyendas." Esto se esta leyendo en muchos de los colegios en España. Otra obra de Bécquer es "Memorias de un Pavo" que esta sobre un pavo en un viaje de la finca a la ciudad. El pavo habría comido en la ciudad. Esto es un ejemplo de un narrativo, y es una obra que tiene mucha imaginación.

Unas de las rimas más famosas de Bécquer es la rima cincuenta tres:

Volverán las oscuras golondrinas                                              
En tu balcón sus nidos a colgar
Y otra vez con el ala a sus cristales,
Jugando llamarán.
Pero aquellas que el vuelo refrenaban
Tu hermosura y mi dicha a contemplar.
Aquellas que aprendieron nuestros nombres,
¡Esas... no volverán!

 

Rima veintiuno:

¿Qué es poesía? dices mientras clavas

en mi pupila tu pupila azul.

¿Qué es poesía? ¿Y tú me lo preguntas?

Poesía... eres tú.

 

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Miguel de Unamuno y Jugo (Bilbao, 29 de septiembre de 1864 - Salamanca, 31 de diciembre de 1936), escritor, y filósofo español. En su obra cultivó gran variedad de géneros literarios, como decía Ramón Pérez de Ayala: "Con tal originalidad como si se tratase literalmente de 'géneros', que él cortaba y utilizaba a su antojo".

Nacido en la calle Ronda del Casco Viejo de Bilbao. Era el tercer hijo y primer varón, tras María Felisa y María Jesusa, del matrimonio habido entre el comerciante Félix de Unamuno y su sobrina carnal, Salomé Jugo. Más tarde nacerán Félix, Susana y María Mercedes. A los diez años, al acabar sus primeros estudios en el colegio de San Nicolás y a punto de entrar en el instituto, asiste como testigo al asedio de su ciudad durante la Tercera Guerra Carlista (lo que luego reflejará en su primera novela, "Paz en la guerra")

Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Madrid, obteniendo la calificación de Sobresaliente en 1883, a sus diecinueve años. Al año siguiente, se doctora con una tesis sobre la lengua vasca: Crítica del problema sobre el origen y prehistoria de la raza vasca, en la que anticipa su idea sobre el origen de los vascos que era contraria a las afirmaciones del nacionalismo vasco que propugnaba una raza vasca no contaminada por otras razas.

 

 

En 1885 comienza a trabajar en un colegio como profesor de latín y psicología y publica un artículo titulado "Del elemento alienígena en el idioma vasco" y otro costumbrista "Guernica", aumentando su colaboración en 1886 con el "Noticiero de Bilbao".

Obras literarias de Unamuno:

Correspondencia inédita: Marañón, Ortega, Unamuno 2008

Paisajes del alma 1997

Antología poética 1993

Diario íntimo 1970 (1998)

Cancionero 1953

El otro 1932

Don Sandalio, jugador de ajedrez 1930 (2005)

San Manuel Bueno, mártir 1930 (1990)

Romancero del destierro 1928

Cómo se hace una novela 1927

De Fuerteventura a París 1925

La agonía del cristianismo 1925

Teresa. Rimas de un poeta desconocido 1924

Rimas de dentro 1923

Andanzas y visiones españolas 1922 (2006)

La tía Tula 1921 (2009)

El Cristo de Velázquez 1920

Tres novelas ejemplares y un prólogo 1920 (1998)

Tulio Montalbán 1920

Abel Sánchez. Una historia de pasión 1917 (1995)

Niebla 1914 (1990)

Del sentimiento trágico de la vida en los hombres y en los pueblos 1913 (1998)

El espejo de la muerte 1913 (2009)

Por tierras de Portugal y España 1911 (2006)

Rosario de sonetos líricos 1911

Recuerdos de niñez y mocedad 1908

Poesías 1907 (1997)

Vida de Don Quijote y Sancho 1905

Amor y pedagogía 1902 (2006) En torno al casticismo 1895

La esfinge 1898

La venda 1889

Paz en la guerra 1895 (1999)

 

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Antonio Machado Ruiz (Sevilla, 26 de julio de 1875 – Collioure, Francia, 22 de febrero de 1939) fue un poeta español, miembro tardío de la Generación del 98 y uno de sus miembros más representativos. Su obra inicial suele inscribirse en el movimiento literario denominado Modernismo.

Antonio Machado nació el 26 de julio de 1875 en Sevilla. Fue el segundo de cinco hermanos de una familia liberal; el mayor de ellos, Manuel, trabajó junto a Antonio en varias obras. Su padre, Antonio Machado Álvarez «Demófilo», amigo de Joaquín Costa y de Francisco Giner de los Ríos, publicó numerosos estudios sobre el folclore andaluz y gallego. Su abuelo, Antonio Machado Núñez, era médico y profesor de Ciencias Naturales.

En 1883, su abuelo fue nombrado profesor de la Universidad Central de Madrid y toda la familia se traslada con él a dicha ciudad. Antonio Machado completa entonces su formación en la célebre Institución Libre de Enseñanza, fundada por Francisco Giner de los Ríos.

En 1889 empieza sus estudios de bachillerato, primero en el instituto San Isidro y después en Cardenal Cisneros. Es en esa época cuando se aficiona al teatro junto a su hermano, y comienza a asistir a tertulias. Machado interrumpe varias veces sus estudios, afectado por los problemas económicos de su familia tras la muerte de su padre por tuberculosis en 1893 y su abuelo, tres años más tarde. El influjo familiar y su centro de estudios marcaron su camino intelectual. Por aquella época, conoce a Valle-Inclán en una tertulia. Trabaja en la parte de los verbos, en el Diccionario de ideas afines.

En 1899, Antonio Machado viaja a París, donde vive su hermano el poeta Manuel, con quien en lo sucesivo emprenderá una carrera conjunta de autores dramáticos, y trabaja de traductor para la Editorial Garnier. Allí entrará en contacto con, por ejemplo, Oscar Wilde y Pío Baroja y asiste a las clases del filósofo Henri Bergson, que le impresionan profundamente. Vuelve a España y trabaja de actor mientras alcanza el título de bachiller.

En 1902 vuelve a París y conoce a Rubén Darío. De vuelta a Madrid entabla amistad con Juan Ramón Jiménez y publica Soledades (1903).

En 1907 publica Soledades, Galerías y Otros poemas, una versión ampliada de Soledades, y gana las oposiciones al puesto de catedrático de francés. Elige la vacante del instituto de Soria, donde entabla amistad con Vicente García de Diego que era catedrático de latín y griego del mismo instituto. Conoce a Leonor Izquierdo, que trabajaba en casa de Vicente García de Diego, con la que se casará dos años después; teniendo ella 15 y él 34 años.

En 1911 viajará a París al conseguir una beca para ampliar sus estudios.

Leonor cae enferma de tuberculosis y muere en 1912, lo que sume a Machado en una gran depresión y éste solicita su traslado a Baeza (Jaén), donde vivirá con su madre dedicado a la enseñanza y al estudio. Durante siete años, hasta 1919, el poeta enseña Gramática Francesa en el Instituto de Bachillerato instalado en la Antigua Universidad baezana.

En 1912 publica Campos de Castilla, obra en la que el autor se separa de los rasgos modernistas que presentaba su obra Soledades y del intimismo hacia el que había evolucionado en Soledades, galerías y otros poemas, acercándose a las inquietudes patrióticas de los autores de la Generación del 98; en efecto, ha mantenido una amplia correspondencia epistolar con Miguel de Unamuno y algunas de sus ideas se reflejan en este libro. En Baeza, en 1917, conoce a Federico García Lorca, con el que entabló gran amistad.

En 1919 se traslada a Segovia, donde encontrará un ambiente cultural más acorde con sus gustos y comenzará a participar en las actividades de la reciente Universidad Popular, que tiene como objetivo la extensión de la cultura a los sectores sociales tradicionalmente más apartados de ella. Así, fue profesor de francés en el Instituto de Segovia, donde conoció a Mariano Quintanilla. Continuará hasta 1932.

En 1932 se le concede un puesto de profesor en el Instituto Calderón de la Barca, de Madrid.

Escribe textos en prosa que luego serán recogidos en los dos apócrifos Juan de Mairena y Abel Martín. Por entonces corteja a una dama casada, Pilar Valderrama, que en los versos de Nuevas canciones (1924), su último libro de poesía, progresivamente ampliado, como los otros, aparece bajo el nombre de Guiomar. Siente un gran interés por la Filosofía y se licencia a trancas y barrancas en esta materia en la Universidad Central.

Con el estallido de la Guerra Civil Española marcha a Valencia. Vivió en la localidad de Rocafort desde noviembre de 1936 hasta marzo de 1938. En 1937 publica La guerra. Entre 1937 y 1939, Machado publica un total de 26 artículos en La Vanguardia (que en aquella época era el órgano de expresión del gobierno de la República y recogía firmas de los más destacados intelectuales y escritores que apoyaron la causa republicana).

A finales de enero de 1939, y ante la inminente ocupación de la ciudad, sale de Barcelona viajando con Joaquín Xirau Palau en una ambulancia que les fue proporcionada por José Puche Álvarez, Director General de Sanidad. Tras unos primeros días en Raset (Gerona), pasa su última noche en España, la del 26 al 27 de enero, en Viladasens. En la tarde del día 28 llega finalmente a Collioure (Francia), en donde muere el día 22 de febrero en el Hotel Bougnol-Quintana. A los tres días, fallece su madre. En el bolsillo de su abrigo se encuentra un último verso: «Estos días azules y este sol de la infancia».

En febrero de 2010 la especialista en Machado, Monique Alonso, hizo público que, poco antes de morir el poeta, la Universidad de Cambridge le había enviado una carta ofreciéndole un puesto en su rectorado. La carta llegó a Collioure al día siguiente de su entierro.

OBRA

Su obra poética se inicia con Soledades (1903), que fue escrita entre 1899 y 1902. En el breve volumen notamos ya muchos rasgos personales que caracterizarán su lírica posterior.

En Soledades, Galerías y otros poemas (octubre de 1907) la voz del poeta se alza con personalidad propia. En este mismo año, se instala en la ciudad de Soria para enseñar francés. En esta ciudad conocerá a la que será su esposa, Leonor. Quizá lo más típico de esa personalidad sea el «tono» nostálgico, suavemente melancólico, aun cuando hable de cosas muy reales o de temas muy de la época: jardines abandonados, parques viejos, fuentes, etcétera; espacios a los cuales va aproximándose a través del recuerdo, del sueño o de las ensoñaciones.

La poesía de Machado se aleja de la concepción modernista de que ésta es meramente forma y la suma de las artes. No importa tanto la forma, la musicalidad, la buena rima, si no se cuenta nada íntimo y personal. El verbo es lo más importante, porque expresa el tiempo, la temporalidad que él considera esencial. «El adjetivo y el nombre / remansos del agua limpia / son accidentes del verbo / en la gramática lírica / del hoy que será mañana / del ayer que es todavía». Pero no desdeña algunos de los ropajes modernistas, aunque sin abusar de los mismos, usa una compleja red de símbolos personales (el viajero, el camino, la fuente, la luz, la tarde, las abejas, las moscas, las galerías, el agua que fluye, la noria...) y aporta una nueva estrofa, la silva arromanzada, compuesta por versos imparisílabos de arte mayor y menor, incluidos alejandrinos de 7 + 7, con rima asonante en los pares.

La poesía, «una honda palpitación del espíritu», es la expresión íntima del sentimiento personal del poeta, pero, aunque íntima, pretende ser universal: es «el diálogo del hombre, de un hombre, con su tiempo». La poesía es un diálogo de un hombre con el tiempo de cada uno. El poeta pretende eternizar ese tiempo objetivo para que permanezca vivo el tiempo psíquico del poeta, para que sea universal.

Rechaza el Creacionismo porque cultiva la imagen como algo en sí mismo. También le da mucha importancia al sentimiento que ha de impregnar la imagen. Las imágenes que no parten del sentimiento, sino sólo del intelecto, no valen nada. También rechaza la poesía surrealista, porque no tiene estructura lógica. Para él esto es una deshumanización, que no comparte. La poesía debe hablar con el corazón.

(Fuente: Wikipedia) - Francisca Gracián Galbeño

Imágenes- Internet y de archivo – Juana Castillo Escobar

 

 

Pintores coétaneos a Virginia Woolf

Pintores coétaneos a Virginia Woolf

Trabajo realizado por Isabel Fraile Hernando

Arthur Trevor Haddon (1864-1941).- El artista británico Arthur Trevor Haddon fue a la vez pintor al óleo y acuarelista que se especializó en paisajes, marinas...  Era también un retratista habilidoso, y pintor de figuras. En 1883, a la edad de 19 años, ganó una beca de tres años en las escuelas Slade en Inglaterra y más tarde estudió pintura en Roma y Madrid.

 Haddon viajó mucho, pintó paisajes de Europa y en el continente americano, así como en el Pacífico Sur.  Vivió principalmente en Londres, pero también residió en Cambridge y por un tiempo en Roma.  Durante su carrera escribió varios libros sobre sus viajes y el arte.

Miembro de la Real Sociedad de artistas británicos desde 1896 hasta su muerte en 1941, el artista realizó numerosas exposiciones y ganó premios en prestigiosos escenarios como la galería de la calle Suffok, la Real Academia, la sociedad de la acuarela. Realizó diversas exposiciones en otras importantes galerías de su época.
 

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Dame Laura Knight. (4 agosto 1877 - 7 julio 1970) fue una pintora inglesa impresionista  conocida por pintar el mundo del teatro de Londres, el ballet y el circo. Laura Johnson nació en Long Eaton, Derbyshire. Hija de Charles Johnson y Charlotte.  Su padre murió poco después de su nacimiento, y Laura se crió en una familia que luchó con problemas financieros. En 1899 fue enviada a Francia con la intención de que estudiara arte en un taller de París.

Después de un breve periodo de tiempo en las escuelas francesas, regresó a Inglaterra.  Allí, a la edad de 23 años, entró en la Escuela de Arte de Nottingham, fue una de las estudiantes más jóvenes en unirse a la escuela.

 En la escuela, Laura conoció a uno de los estudiantes más prometedores, Harold Knight (1874-1961), de 27 años, y determinó que el mejor método de aprendizaje fue copiar la técnica de Harold.  Se hicieron amigos, y se casaron en 1903.

En 1907, los Knight se trasladaron a la colonia de artistas en Newlyn, Cornwall, junto a Lamorna Abedul, Alfred Munnings y Aleister Crowley, donde pintó en un estilo impresionista. La Playa (1908), ampliamente admirada tanto por otros artistas y el público, es un ejemplo de este estilo.  Otro trabajo interesante es la pluma verde, que fue pintado en un día.  En 1913 pintó  Autorretrato con Desnudo, era la primera vez que una mujer artista,  se mostrase a sí misma con una modelo desnuda, la también artista Ella Naper.

 

Después de la Primera Guerra Mundial  se trasladó a Londres, donde  se reunió con algunos de los bailarines de ballet más famosos de la época, tales como Sergei Diaghilev 's Ballets Rusos con Lydia Lopokova y Enrico Cecchetti y Anna Pavlova.  En estas fechas llevó a cabo las obras más famosas de este período.

En 1929, fue nombrada Dama Comandante de la Orden del Imperio Británico, y en 1936 se convirtió en la primera mujer electa de la Real Academia .

Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó en varias comisiones para el Ministerio de Información 's War Artists Advisory Committee, y ella era uno de los tres británicos mujeres artistas de guerra que viajaron al extranjero. Sus trabajos durante este período incluyen a reparar (1941), un sitio del globo, Coventry (1942), Ruby Loftus atornillar una ruptura del anillo (1943),  Take Off (1944), talleres de la fábrica y muchachas de la tierra, entre muchos otros. 

Después de la guerra, fue la artista oficial de los Juicios de Nuremberg llevados a cabo contra los nazis criminales de guerra.  Un resultado fue el Dock, de Nuremberg (1946).

Continuó pintando en la década de 1960.  Produjo más de 250 obras en toda su vida, así como dos autobiografías, pintura al óleo y pintura de grasa (1936) y la magia de una línea (1965).

 

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George Owen Wynne Apperley.- (Ventnor, Isla de Wight, Inglaterra, 17 junio de 1884 – Tanger, septiembre de 1960) fue un pintor inglés que vivió durante muchos años en la ciudad de Granada (España).

Pertenecía a una familia aristocrática galesa, quedando huérfano de padre a los seis años. Desde pequeño se sintió atraído por la pintura y a pesar de la oposición familiar, pudo matricularse en la Herkomer Academy e iniciar en ella sus estudios artísticos. Sus padres no consideraban la profesión de pintor adecuada para un Apperley y mientras su padrastro se mostraba partidario de que ingresara en el ejército, la madre deseaba que su hijo sintiera vocación religiosa.2 Sin embargo su decisión de dedicarse a la pintura era firme y las presiones familiares no pudieron impedirlo.

En 1904 realizó un viaje a Italia, donde visitó diversas ciudades como Venecia y Roma. Se sintió atraído por la luz del Mediterráneo y realizó diferentes acuarelas en las que representó principalmente escenas costumbristas y grandes edificios históricos como la Basílica de San Marcos.

En 1907 se casó en secreto con Hilda Pope. La familia de la novia desaprobaba la unión y se trasladaron a Lugano (Suiza) para más tarde volver a Londres, donde permaneció unos años y tuvo dos hijos: Edward y Phyllis. En 1914, sin la compañía de su esposa, viajó a España y se estableció en Granada donde conoció a Enriqueta Contreras, que se convirtió en su compañera sentimental y a la que retrató en numerosas ocasiones a lo largo de su vida. Fruto de esta unión tuvo otros dos hijos: Jorge y Enrique.

En 1918 se celebró una exposición con sus trabajos en Madrid que fue inaugurada por el rey Alfonso XIII y su esposa Victoria Eugenia de Battenberg. A partir de entonces aumentó considerablemente su prestigio y consideración en el mundo artístico español.

En Granada se relacionó con pintores locales como Francisco Soria Aedo, José María Rodríguez Acosta y López Mezquita, integrándose en la vida de la ciudad e interesándose por el mantenimiento de las tradiciones y el patrimonio histórico. De esta época datan numerosas escenas que plasman los paisajes y vistas de Granada desde diferentes perspectivas.

En las décadas de 1920 y 1930 su estilo evolucionó, aproximándose mucho al que desarrolló Julio Romero de Torres y realizando diversos retratos costumbristas.

Tras la proclamación de la II República Española, en 1933 se trasladó con su familia a Tanger (Marruecos) donde permaneció hasta su muerte ocurrida en 1960, aunque realizó frecuentes viajes a Granada, donde siempre conservó su vivienda. En la ciudad marroquí se interesó por nuevos temas y quedó fascinado por el orientalismo y el encanto de la urbe y sus alrededores.

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William Clarke Wontner (17 de enero 1857 Stockwell , Surrey - 23 de septiembre 1930 en Worcester ), fue un pintor retratista inglés lleno de clasicismo académico y romántico Wontner nació en Stockwell , en Surrey , era hijo del notable arquitecto, diseñador y procesador  William Wontner Hoff (1814-1881) y Catherine Smith. Bajo la tutela de su padre, Wontner trabajó con John William Godward (1861-1922), un exponente notable de lo que se conoce como estilo greco-romano. Los dos estaban destinados a convertirse en grandes amigos.

Wontner fue un pintor relativamente menor que formaba parte del movimiento neo-clásico  en Inglaterra, dirigido por Alma-Tadema. Pintó a mujeres lánguidas y seductoras con telones de fondo de mármol, por lo general se trataba de mujeres clásicas u orientales. Su obra se exhibió en la Royal Academy de 1879, en la Sociedad de Artistas Británicos y en el Royal Institute of Painters in Water Colours.  Cuando la galería Grosvenor cerró en 1890, Wontner quedó expuesto en la Nueva Galería.

Wontner fue enterrado el 26 de septiembre de 1930 en Worcestershire .

 

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John William Godward.- (9 de agosto de 1861 – 13 de diciembre de 1922) fue un pintor artístico inglés del final de las eras Prerrafaelista / Neoclasicista.

Godward nació en 1861 y vivió en Wilton Grove, Wimbledon. Expuso en la Royal Academy a partir de 1887. Cuando se trasladó a Italia con una de sus modelos en 1912, su familia rompió todo contacto con él y cortó su imagen de los cuadros de la familia. Godward regresó a Inglaterra en 1919, murió en 1922 y fue enterrado en Cementerio de Brompton, Londres-Oeste.

Una de sus pinturas más conocidas es "Dolce far Niente" (1904), actualmente en la colección Andrew Lloyd Webber. Como en el caso de otras pinturas suyas, Godward pintó más de una versión, en este caso la primera (y menos conocida) versión de 1897.
Godward eran un Victoriano Neo-clasicista, y por lo tanto un seguidor de la obra de Frederic Leighton. Su obra es más próxima, estilísticamente, a la de Sir Lawrence Alma-Tadema, con quien compartió el gusto por la interpretación de arquitectura clásica, en particular, restos de edificios construidos en mármol.

La mayor parte de las imágenes existentes de Godward muestran a mujeres con el vestido clásico, planteado contra estos rasgos de paisaje, aunque haya algunas figuras semidesnudas o totalmente desnudas incluidas en su "oeuvre" (un ejemplo notable es "En el Tepidarium" (1913), un título compartido con una pintura polémica de Alma-Tadema, de la misma temática, que reside en la Lady Lever Art Gallery). Los títulos de sus obras reflejan la fuente de inspiración de Godward: Las Civilizaciones clásicas, más notablemente el caso de la Roma Antigua (de nuevo algo que une artísticamente a Godward estrechamente con Alma-Tadema), y en ocasiones la Grecia Antigua que proporciona lazos artísticos, aunque en un grado más limitado, con Frederic Leighton.

Considerando que el gusto Clásico era más extendido entre la audiencia potencial durante su vida que en el hoy día, la investigación meticulosa de detalle es importante para lograr su apreciación como artista en este género. Alma-Tadema fue, además de pintor, un arqueólogo que asistió a sitios históricos y recogió los elementos clásicos que más tarde usó en sus pinturas: Godward, también, estudió tales detalles (como la arquitectura y el vestido), para asegurar que sus trabajos llevaron el sello de autenticidad. Además, Godward trata minuciosa y meticulosamente otros rasgos importantes en sus pinturas: pieles de animales (las pinturas Noon Day Rest (1910) y A Cool Retreat (1910) contienen ejemplos magníficos de tal interpretación) y flores silvestres (Nerissa (1906), -ilustración adjunta- y Summer Flowers (Flores de verano) (1903) son excelentes ejemplos de esto).

Mujeres hermosas en posturas estudiadas en tantos lienzos de Godward causa a muchos que se acercan por primera vez a sus trabajos la idea de catalogarle, equivocadamente, como prerrafaelista, en particular por su paleta, a menudo con vibrante colorido. Sin embargo, la opción de los temas (civilización antigua contra, por ejemplo, la leyenda del Rey Arturo) lo situa, más correctamente, como artista Victoriano Neoclasicista: sin embargo, es apropiado comentar que en común con el numeroso grupo de pintores contemporáneos con él, Godward era un Alto Soñador Victoriano, fascinado con la producción de imágenes hermosas de un mundo que, debe ser dicho, fue idealizado e idealizada, y al cual en el caso tanto de Godward como de Alma-Tadema llegó a ser criticado como una visión del mundo de 'togas Victorianas'.

 

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Aubrey Vincent Beardsley.- (Brighton, Inglaterra, 21 de agosto de 1872- Menton, Francia, 16 de marzo de 1898) fue un artista pintor e ilustrador inglés. Uno de los más notables críticos de la sociedad victoriana, satírico e implacable, su obra despertó admiración y escándalo. Beardsley nació en Brighton. En 1883 su familia se estableció en Londres, y al año siguiente se dio a conocer al público como «niño prodigio», dando varios conciertos junto a su hermana. Estudió en la grammar school de Bristol en 1884, y en 1888 obtuvo un puesto en la oficina de un arquitecto. Después trabajó para la compañía de seguros Guardian Life and Fire.

En 1891, por consejo del famoso pintor prerrafaelista Sir Edward Burne-Jones y Pierre Puvis de Chavannes, se dedicó al arte profesionalmente, En 1892 acudió a clases en la Escuela de arte de Westminster, bajo el profesor Fred Brown.

En su corta vida, Beardsley se ganó la reputación de ser uno de los ilustradores ingleses más innovadores.

Produjo amplias ilustraciones para libros y revistas, como por ejemplo la edición de lujo de la obra de Sir Thomas Malory Le Morte d'Arthur, que se considera su primer encargo de importancia (1893); en esta obra se aprecian influencias de Burne-Jones.1

Fue editor de The Yellow Book (El libro amarillo) (1894-1895). Fue editor de arte durante las primeras cuatro ediciones y produjo muchas ilustraciones para la revista. También trabajó para revistas como The Savoy (1896, editada por Leonard Smithers) y The Studio. Ilustró Salomé (de su amigo Oscar Wilde) en 1893 para su representación francesa. En sus últimas obras el dibujo se complica, sintiéndose la influencia del rococó; así puede verse en su The Rape of the Lock de Pope (1895).3

También escribió Under the Hill, un cuento erótico inacabado basado vagamente en la leyenda de Tannhäuser, amén de relatos cortos y poesías. Pudo publicarlo en The Savoy.

Beardsley era un personaje público, así como un excéntrico privado perteneciente al círculo de amigos de Oscar Wilde. Dijo: «Sólo tengo un objetivo - lo grotesco. Si no soy grotesco no soy nada». Wilde dijo de él que tenía «una cara como un hacha de plata, y pelo verde hierba».

Beardsley estuvo activo hasta que murió de tuberculosis en Menton (Francia) con 25 años de edad.

 

Información obtenida de la Wikipedia - Isabel Fraile.
Imágenes Internet y de archivo - Juana Castillo Escobar.

Trabajo sobre el texto a comentar de Virginia Woolf: por Francis Gracián

Francis Gracián Galbeño

Trabajo sobre el texto a comentar:

1.- Señala las figuras retóricas que hayas encontrado (metáforas, comparaciones, hipérboles…)

El primer párrafo contiene un exordio, y todo el relato en sí, es una acumulación o amplificación. También he encontrado , por ejemplo:

.- ferrocarril subterráneo y los tranvías y los autobuses, y no pocos automóviles privados, e, incluso me atrevería a decir, landós con caballos bayos, han estado trabajando para esta reunión, trazando líneas de un extremo de Londres al otro. Prosopopeyas.

.- Sobre si es verdad, tal como dicen, que la Calle Regent está floreciente, y que el Tratado se ha firmado, y que el tiempo no es frío si tenemos en cuenta la estación, e incluso que a este precio ya no se consiguen departamentos, y que el peor momento de la gripe ha pasado; si pienso en que he olvidado escribir con referencia a la gotera de la despensa, y que me dejé un guante en el tren; si los vínculos de sangre me obligan, inclinándome al frente, a aceptar cordialmente la mano que quizá me ofrecen dubitativamente...  Perífrasis.( podría sustituirse por: “si todo sigue su curso”)

.- -¡Siete años sin vernos!

-La última vez fue en Venecia.

-¿Y dónde vives ahora?

-Bueno, es verdad que prefiero que sea a última hora de la tarde, si no es pedir demasiado...

-¡Pero yo te he reconocido al instante!

-La guerra representó una interrupción... Redundancias.

.- Si la mente está siendo atravesada por semejantes dardos, y debido a que la sociedad humana así lo impone, tan pronto uno de ellos ha sido lanzado, ya hay otro en camino; si esto engendra calor, y además han encendido la luz eléctrica; Metáforas.

.- si decir una cosa deja detrás, en tantos casos, la necesidad de mejorar y revisar, provocando además arrepentimientos, placeres, vanidades y deseos; si todos los hechos a que me he referido, y los sombreros, y las pieles sobre los hombros, y los fracs de los caballeros, y las agujas de corbata con perla, es lo que surge a la superficie, ¿qué posibilidades tenemos? ¿De qué? Cada minuto se hace más difícil decir por qué, a pesar de todo, estoy sentada aquí creyendo que no puedo decir qué, y ni siquiera recordar la última vez que ocurrió.        Redundancias.

.- -¿Viste la procesión?

-El rey me pareció frío.

-No, no, no. Pero, ¿qué decías?

-Que ha comprado una casa en Malmesbury.

-¡Vaya suerte encontrarla!  Redundancias.

.- ¿Por qué inquietarse? ¿Por qué tanta ansiedad acerca de la parte de los mantos correspondiente al asiento; y de los guantes, si abrochar o desabrochar?  Interrogación retórica.

.- ... ¡Floreo, fuente, florecer, estallido! Exclamación retórica.

.- ¡Cuán bella es la bondad de aquellos que, con paso leve, pasan sonriendo por el mundo! ¡Y también en las viejas pescaderas alegres, en cuclillas bajo arcos, viejas obscenas, que ríen tan profundamente y se estremecen y balancean, al andar, de un lado para otro, ju, ja!      Exclamaciones retóricas.

.- ¿Qué quiero decir? ¡Esto es lo peor de la música!  Interrogación y exclamación retóricas.

.- . ¿Qué murmuras?  Interrogación retórica.

.- ¿Por qué apenarse? ¿Qué quieres? ¿Sigues insatisfecha  Interrog. Retórica.

.- ¿Decías que el segundo violín se ha retrasado?  Interrog. Retórica.

.- -¡Delicioso! ¡Pero qué bien tocan! ¡Qué - qué - qué!  Exclamaciones retóricas.

.- -¡Qué - qué - qué! ¡Silencio!  Exclamaciones retóricas.

.- Y qué otra cosa podía hacer sino gritar ¡Ah!, pararme y señalar con el dedo?  Interrog. Y exclamación retórica.

.- ¡Loco! ¡Loco! ¡Loco!   Exclamaciones retóricas.

.- ... ¡Escuche! ¡Las trompas!    Exclamaciones retóricas.

.- todo ello surgido, como flotando, de las más alegres ondulaciones de tierno cariño, hasta que el sonido de las trompas de plata, al principio muy a lo lejos, se hace gradualmente más y más claro,    Catacresis.

.- El verde jardín, el lago iluminado por la luna, los limoneros, los enamorados y los peces se disuelven en el cielo opalino, a través del cual, mientras a las trompas se unen las trompetas, y los clarines les dan apoyo, se alzan blancos arcos firmemente asentados en columnas de mármol... Marcha y trompeteo. Metálico clamor y clamoreo. Firme asentamiento. Rápidos cimientos. Desfile de miríadas. La confusión y el caos bajan a la tierra. Pero esta ciudad hacia la que viajamos carece de piedra y carece de mármol, pende eternamente, se alza inconmovible, y tampoco hay rostro, y tampoco hay bandera, que reciba o dé la bienvenida. Deja pues que tu esperanza perezca; abandono en el desierto mi alegría; avancemos desnudos. Desnudas están las columnatas, a todos ajenas, sin proyectar sombras, resplandecientes, severas. Y entonces me vuelvo atrás, perdido el interés, deseando tan sólo irme, encontrar la calle, fijarme en los edificios, saludar a la vendedora de manzanas, decir a la doncella que me abre la puerta: Noche estrellada.     Perífrasis.

2.- ¿Sabrías enmarcar el relato dentro de uno de estos géneros?

- de miedo,

- fantástico,

- de intriga,

- erótico,

- de ciencia ficción,

- cuento para niños,

- cuento realista… Lo enmarco aquí, aunque no muy segura.

3.- ¿Cómo es el lenguaje? ¿Actual o arcaizante?     Actual.

4.- A pesar de ello, ¿es un texto comprensible en nuestros días?   Las palabras, sí.

5.- ¿Quién es el/la protagonista?  Una persona que tiene un guirigay en la cabeza.

6.- ¿Da sensación de que hay muchos o pocos personajes? Parecen muchos.

7.- ¿Qué es lo que más te ha gustado? ¿Por qué?  Que puedo distinguir entre una mente calmada y otra que no lo está.

Tu opinión:

        Es un relato algo excesivo, y me parece que refleja un momento de desorden mental. Según creo, muchas personas tienen ese batiburrillo continuo y no saben parar el pensamiento un poco, siquiera sea para descansar. Los yoghis llaman a esto “mente de mono”, porque va de un pensamiento a otro, sin parar, como el mono va de árbol en árbol. Es un verdadero mareo.

                                     Francisca Gracián Galbeño. 13 de mayo de 2012

 

Músicos ingleses contemporáneos de Virginia Wolf

Músicos ingleses contemporáneos de Virginia Wolf
 Trabajo realizado por
Mª José Núñez Pérez

 

Frank Bridge.- (Brighton (Inglaterra), 26 de febrero de 1879 - Eastbourne (Inglaterra), 10 de enero de 1941) fue un compositor inglés.

Bridge nació en Brighton y estudió en el Royal College of Music en Londres entre 1899 y 1903, siendo alumno de Charles Villiers Stanford y otros reconocidos artistas. Bridge tocó la viola en varios cuartetos de cuerdas y dirigió, algunas veces sustituyendo a Henry Joseph Wood, antes de dedicarse completamente a componer, siendo apadrinado porElizabeth Sprague Coolidge. Bridge tuvo varios pupilos, siendo el más famoso Benjamin Britten, quien más tarde interpretaría la música de su maestro y quien compondríaVariaciones sobre un tema de Frank Bridge en su honor. Bridge murió en Eastbourne el 10 de enero de 1941.

Entre los trabajos de Bridge están la piezas orquestal The Sea (1911), Oration (1930) para violonchelo y orquesta (grabada en 1976 por Julian Lloyd Webber) y la ópera The Christmas Rose (estrenada en 1932). También es reconocido por sus trabajos de música de cámara. Sus primeras obras fue influenciadas por la música del Romanticismo, pero piezas posteriores como su tercer (1926) y cuarto (1937) cuartetos de cuerdas son más harmónicas y muy distintivas, mostrando la influencia de la Moderna Escuela de Viena. Sus trabajos también muestran influencias harmónicas de Maurice Ravel y Alexander Scriabin.

Una de sus armonías más características es el acorde Bridge, por ejemplo un do menor y un re mayor sonando al mismo tiempo, el cual se puede apreciar en There Is a Willow Grows Aslant a Brook y su sonata de piano. Bridge escribió este trabajo en memoria de Ernest Farrar.

Uno de sus trabajos más famosos es una pieza para violín llamada Moto perpetuo (escrita en 1900, revisada en 1911). Otros de sus trabajos más populares es el adagio en Mi para órgano, "Rosemary," una canción para piano, y la sonata para violonchelo en re menor. Una de sus obras, el scherzetto para violonchelo y piano fue redescubierto en la biblioteca del Royal College of Music por el violonchelista Julian Lloyd Webber.

 

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Gustav Holst.- GustavusTheodore von Holst nacido en Cheltenham, Inglaterra el 21 de septiembre de 1874 y muerto el 25 de mayo de 1934¹ fue uncompositor de música inglés, con raíces familiares en Lituania, Suecia y España. Gustavus se quitó el von de su nombre durante laPrimera Guerra Mundial por miedo de ser identificado como alemán.

Nació en Cheltenham, cerca de Gales. Estudió en el Royal College of Music de esta localidad, pero más tarde se marchó a continuar sus estudios a Londres. Su obra más conocida probablemente sea Los Planetas (The Planets), terminada en 1916, obra que Gustavus no consideraba una de sus mejores creaciones; de hecho, en ocasiones se quejó porque otras obras habían sido eclipsadas por ella.Los Planetas está parcialmente inspirado en meditaciones de su propio horóscopo. Trata sobre "las influencias de nuestro espíritu".

Holst estuvo especialmente influido por Ravel, compilador de unas famosas efemérides y autor de un libro sobre los planetas y su importancia en los acontecimientos mundiales, el que le dio a Holst una amplia visión sobre éstos, logrando hacer de ella una obra exitosa. Holst escribió la suite orquestal cuando era profesor en la St. Paul's Girls' School en Hammersmith (Londres). Compuso además una obra exitosa para la orquesta de la escuela en 1913.

En 1930, compuso Hammersmith: una expresión musical popular que se inicia con la representación extraordinaria del Támesis fluyendo por la ciudad. El departamento musical de la escuela fue nombrado posteriormente en su honor.

La contribución de Holst a los instrumentos de viento-madera le garantizó un lugar en la historia de éstos. En muchos programas actuales destacan sus dos Suites for Military Band. Su única obra para instrumentos de viento-metal, A Moorside Suite, sigue siendo una parte importante del repertorio para dichos instrumentos.

Como muchos compositores, Holst también ejecutaba un instrumento musical, en su caso el trombón

Según su biógrafo, Ian Lace, Gustav Holst era frugal, nunca fumaba ni bebía alcohol. Desde que se fue de casa se volvió vegetariano. Pero ese vegetarianismo no era recomendable en la barata posada donde vivió en los años 1890, además como nunca se alimentó con comida nutritiva, sus ojos se volvieron muy débiles, quedando afectado el resto de su vida.

En 1933 Holst comenzó a sufrir de serios problemas estomacales y finalmente el 25 de mayo de 1934 murió por unas complicaciones, tras una operación quirúrgica en Londres. Fue enterrado en la antigua Catedral de Chichester, West Sussex.

Sus hijas Imogen Holst y Angela Holst, al igual que su padre, se dedicaron a la composición y a la dirección.

 

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Ralph Vaughan Williams (n. en 1872 - f. en 1958) fue un compositor británico de gran popularidad en su país, donde es considerado una gloria nacional. La divulgación de su obra en otros países ha llegado principalmente gracias a la industria discográfica.

Nació en 1872, siendo el hijo menor del pastor anglicano de Down Ampney, en Gloucestershire. Su padre, Arthur, murió repentinamente cuando Ralph apenas tenía dos años de edad, por lo que su madre, Margaret Wedgwood, volvió con sus hijos al hogar familiar de Leith Hill Place, en la región de Surrey. Margaret procedía de una familia acomodada, emparentada con los Darwin, pues era hija de Caroline Sarah Darwin, hermana de Charles Darwin. Ralph estudió música e historia en la Universidad de Cambridge y posteriormente en Berlín con Max Bruch y en París con Maurice Ravel, lo cual dio a su orquestación lo que él definió como “un toque de lustre francés”.

Fue nombrado profesor en el Royal College of Music (RCM) en 1919 y recibió un año después el nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford, llegando a convertirse en el Director del Bach Choir y consiguiendo en los años veinte que su música fuese conocida en todo el continente europeo.

Contrajo matrimonio con Adeline Fisher en 1897. Pocos años después de la boda, a Adeline se le diagnosticó una artritis progresiva, que acabó confinándola en una silla de ruedas. Fallecida su primera esposa en 1951, se casó con su asistente personal, Ursula Wood, en 1953. Ambos llevaban manteniendo una relación sentimental desde 1938, cuando se conocieron, al parecer con el consentimiento de la propia Adeline.

Vaughan Williams falleció en Londres en 1958 a los 85 años de edad, siendo enterrado en la Abadía de Westminster, cerca de las tumbas de otros compositores ingleses, Herbert Howells y Charles Villiers Stanford.

Aunque sus primeros trabajos, como "Las avispas" (música incidental para teatro) o su primera sinfonía, la Sinfonía del Mar, basada en textos de Walt Whitman, pecan de cierto academicismo, ya contienen las bases armónicas y el germen de sus obras más famosas, así como su interés por la música tradicional de Inglaterra.

Su salto a la fama se produjo con la “Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis”. En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, que responde en líneas generales a una forma de tema principal con variaciones, desarrolla un tema del compositor inglés renacentista Thomas Tallis. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. El resultado es de una radiante sonoridad e inspiración. Esta pieza fue utilizada como banda sonora de las películas Remando al viento (Gonzalo Suárez, 1988) y Master and Commander (Peter Weir, 2003).

La música de Vaughan Williams suele describirse como "típicamente inglesa", del mismo género que las obras de Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros compositores contemporáneos suyos. También es notable la influencia de la sonoridad musical de Maurice Ravel, quien fue maestro suyo en París en 1908. Según el escritor Peter Ackroyd: «si el ser típicamente inglés en música puede ser encerrado en palabras de alguna manera, estas podrían ser: ostensiblemente familiar y común, aunque profunda y mística al tiempo que lírica, melódica, melancólica y nostálgica, aunque eterna». Por su parte, el crítico inglés Fuller Maitland describió el estilo de Vaughan Williams como: «nunca se está muy seguro de estar escuchando algo muy antiguo o muy nuevo».

La música de Vaughan Williams expresa una profunda consideración y fascinación por las melodías populares, buscando sublimarlas y hacerlas etéreas. A partir de 1903, Vaughan Williams comenzó a recoger canciones populares inglesas, y llegó a recopilar más de 800. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música (aunque más superficial, más como mera cita o paráfrasis que como integración profunda, como habían hecho otros compositores como Béla Bártok o Leoš Janáček). También es característico de su música las referencias hacia el paisaje y las personas que en él habitan.

Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo al igual que su gran amigo Gustav Holst. Ésta es otra de las influencias musicales que le permitieron desarrollar un personal lenguaje (sobre todo armónico), que se refleja en todas sus obras aunque en mayor medida en su extensa producción vocal y coral, en la que cabe destacar su Misa en Sol menor o la cantata Dona Nobis Pacem.

La obra de Vaughan Williams y todos sus recursos estilísticos y técnicos culminan con sus nueve sinfonías, las cuales suponen su cima en lo que se refiere a inspiración melódica y armónica.

Entre las ediciones discográficas de las obras de Vaughan Williams, destaca la integral de sus sinfonías que grabó sir Adrian Boult para el sello EMI, así como las que posteriormente grabaron otros destacados directores como Bernard Haitink y André Previn, entre otros.

 

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Frederick Delius (Bradford, 1862 - Grez-sur-Loing, 1934) Compositor inglés de origen alemán. Aprendió armonía con el organista americano Thomas Ward y después ingresó en el Conservatorio de Leipzig, donde fue alumno de Reinecke. En 1890 se estableció en París y se casó con la pintora Jelka Rosen. Su obra coral más importante, Eine Messe des Lebens (1905), es la proclamación de un agnóstico. Sus poemas sinfónicos son evocaciones de la naturaleza: On hearing the first cuckoo in Spring y Summer nigth on the river (los dos de 1912); su estilo es armónico, lo que hace que se ajuste más a la variación que a la sonata, estando entre sus mejores obras Appalachia (1902), sobre un tema americano, y Briff Fair (1907), sobre una canción popular inglesa. Fue autor de seis óperas, de las que Romeo un Julio dem Dorfe (1901) fue la que obtuvo un éxito mayor; se estrenó en Berlín en 1907 y se repuso varias veces en Londres. No compuso sinfonías, pero sí cuatro conciertos y varias sonatas, y algunas obras para piano. Creó numerosas melodías para poemas de autores como Ibsen, Shelley, Verlaine y Nietzche.

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Sir Edward William Elgar, 2 de junio de 1857, Broadheath, Inglaterra - 23 de febrero de 1934,^{nota 1} Worcester, ibídem) fue uncompositor inglés. Muchas de sus obras han entrado en el repertorio clásico de concierto británico e internacional.

Su primera obra importante para orquesta, las Variaciones Enigma, obtuvo un notable éxito. También compuso oratorios, música de cámara, sinfonías, conciertos instrumentales, conciertos para violín y violonchelo, obras corales (entre las que se encuentra El sueño de Geronte) y canciones. Su producción musical incluye las marchas Pompa y circunstancia, la primera de las cuales se canta frecuentemente con las palabras «Land of Hope and Glory», común en las colaciones de grados. En muchos países esta obra se utiliza como marcha nupcial en bodas. Fue nombrado Maestro de música real en 1924.

A pesar de que Elgar es a menudo considerado como el típico compositor inglés, la mayoría de sus influencias musicales no provenían de Inglaterra, sino de la Europa continental. Se sentía a sí mismo como un extraño, no sólo musicalmente, sino también en lo social. En los círculos musicales dominados por los académicos, fue un compositor autodidacta, en la protestanteGran Bretaña, su catolicismo era visto con recelo en algunos sectores y en la sociedad británica victoriana y eduardiana con conciencia de clase, que era muy sensible acerca de sus humildes orígenes, incluso después de lograr el reconocimiento. No obstante se casó con la hija de un oficial del ejército británico de alto rango, Caroline Alice. Ella le inspiró tanto a nivel musical como social, pero tuvo problemas para alcanzar el éxito hasta que cumplió los cuarenta, cuando tras una serie de obras de un éxito moderado sus Variaciones Enigma (1899) se hicieron inmediatamente populares en Gran Bretaña y el extranjero. Tras las variaciones compuso una obra coral, El sueño de Geronte (1900), basado en un texto católico que causó cierta inquietud entre la clase dirigente anglicana en su país, pero se ha mantenido como una obra del repertorio central británico y en otros lugares. Sus siguientes obras corales religiosas de larga duración fueron bien recibidas, pero no han entrado en el repertorio regular. La primera de sus marchas Pompa y circunstancia (1901) es bien conocida en el mundo anglosajón.

A sus cincuenta años, compuso su Primera Sinfonía y el Concierto para violín que tuvieron un amplio éxito. Su Segunda Sinfoníay el Concierto para violonchelo no obtuvieron una popularidad inmediata y pasaron varios años hasta que se ganaron un sitio en el repertorio de concierto habitual de las orquestas británicas. En sus últimos años, la música de Elgar comenzó a ser vista como atractiva sobre todo por el público británico. Su valoración permaneció muy baja durante una generación después de su muerte. Comenzó a resurgir de manera significativa en la década de 1960, gracias a la ayuda de nuevas grabaciones de sus obras. En años recientes, algunas de ellas han retomado el nivel internacional de nuevo, pero la música sigue siendo más interpretada en Gran Bretaña que en ningún otro sitio.

Se ha descrito a Elgar como el primer compositor que se tomó en serio el uso del gramófono. Entre 1914 y 1925, dirigió una serie de grabaciones de sus obras. La introducción del micrófono en 1925 hizo que fuera posible una reproducción del sonido más segura y Elgar realizó nuevas grabaciones de la mayoría de sus principales obras orquestales y extractos de El sueño de Geronte. Dichas grabaciones fueron reeditadas en LP en la década de 1970 y en CD en la década de 1990.