¿QUÉ BENEFICIOS SE OBTIENEN AL MATRICULARSE EN UN TALLER LITERARIO?

Preguntas como esta, o tales como:
- ¿Es bueno matricularse en un taller literario?
- ¿Qué me aporta el matricularme en un taller literario?
- ¿Seguro que se puede aprender a escribir en un taller literario?

Preguntas similares y muchas más las he estado escuchando los últimos seis años, los que tiene de vida el taller.
A quienes me las hacían, bien por correo electrónico, bien por teléfono, traté de sacarles de dudas lo mejor que supe o pude.
He de decir que, como tallerista que fui durante más de ocho años en uno de los más antiguos aparecidos en la ciudad de Madrid, más dos cursos en una escuela de prestigio diré que:
1.- Los genios literarios, salvo muy raras excepciones no nacen, se hacen a base de esfuerzo y trabajo constante (al igual que cualquier trabajador en la disciplina que sea: para ser realmente bueno es preciso constancia y trabajo).
2.- En todas las universidades anglosajonas, los talleres literarios son una asignatura más en las facultades de letras.
3.- Cualquiera que sepa redactar medianamente bien, y que tenga inquietudes literarias, puede ser un magnífico alumno.
4.- A un taller literario hay que llegar con humildad y con el pensamiento de que se va a aprender, no creyéndose de entrada un Cervantes o mejor que el insigne alcalaíno porque será un pésimo alumno que no se dejará corregir, se aburrirá y entorpecerá las clases.
5.- Quizá este punto debí ponerlo en el 1º o 2º lugar. Escribir es: CORREGIR, CORREGIR, CORREGIR y CORREGIR, de tal modo que el texto quede pulido, tanto como una pista de patinaje por la que, el lector, deslice la vista y no se encuentre obstáculo alguno que le haga desechar la obra que tiene entre manos bien por aburrimiento, falta de comprensión, exceso de rimas...
6.- Y por último, para no aburrir como pongo más arriba, quien desee escribir, llegar a tener un estilo propio, debe leer mucho y bien, es decir: beber de los autores clásicos y contemporáneos pero no sólo ir a conocer el argumento, sino ver las figuras retóricas empleadas, el tono, el estilo, las formas de lenguaje... Es necesario hacer un estudio en profundidad e, incluso, intentar parecérsele (con los ejercicios de intertextualidad) y, cuando menos se lo espere, habrá llegado, si no a la cumbre, sí a empezar la escalada de esa montaña que, aunque parezca que no, se conseguirá con tesón.

Un saludo, Juana Castillo


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domingo, 9 de septiembre de 2012

Músicos ingleses contemporáneos de Virginia Wolf


Músicos ingleses contemporáneos de Virginia Wolf
 Trabajo realizado por
Mª José Núñez Pérez


 
Frank Bridge.- (Brighton (Inglaterra), 26 de febrero de 1879 - Eastbourne (Inglaterra), 10 de enero de 1941) fue un compositor inglés.
Bridge nació en Brighton y estudió en el Royal College of Music en Londres entre 1899 y 1903, siendo alumno de Charles Villiers Stanford y otros reconocidos artistas. Bridge tocó la viola en varios cuartetos de cuerdas y dirigió, algunas veces sustituyendo a Henry Joseph Wood, antes de dedicarse completamente a componer, siendo apadrinado porElizabeth Sprague Coolidge. Bridge tuvo varios pupilos, siendo el más famoso Benjamin Britten, quien más tarde interpretaría la música de su maestro y quien compondríaVariaciones sobre un tema de Frank Bridge en su honor. Bridge murió en Eastbourne el 10 de enero de 1941.
Entre los trabajos de Bridge están la piezas orquestal The Sea (1911), Oration (1930) para violonchelo y orquesta (grabada en 1976 por Julian Lloyd Webber) y la ópera The Christmas Rose (estrenada en 1932). También es reconocido por sus trabajos de música de cámara. Sus primeras obras fue influenciadas por la música del Romanticismo, pero piezas posteriores como su tercer (1926) y cuarto (1937) cuartetos de cuerdas son más harmónicas y muy distintivas, mostrando la influencia de la Moderna Escuela de Viena. Sus trabajos también muestran influencias harmónicas de Maurice Ravel y Alexander Scriabin.
Una de sus armonías más características es el acorde Bridge, por ejemplo un do menor y un re mayor sonando al mismo tiempo, el cual se puede apreciar en There Is a Willow Grows Aslant a Brook y su sonata de piano. Bridge escribió este trabajo en memoria de Ernest Farrar.
Uno de sus trabajos más famosos es una pieza para violín llamada Moto perpetuo (escrita en 1900, revisada en 1911). Otros de sus trabajos más populares es el adagio en Mi para órgano, "Rosemary," una canción para piano, y la sonata para violonchelo en re menor. Una de sus obras, el scherzetto para violonchelo y piano fue redescubierto en la biblioteca del Royal College of Music por el violonchelista Julian Lloyd Webber.
 
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Gustav Holst.- GustavusTheodore von Holst nacido en Cheltenham, Inglaterra el 21 de septiembre de 1874 y muerto el 25 de mayo de 19341 fue uncompositor de música inglés, con raíces familiares en Lituania, Suecia y España. Gustavus se quitó el von de su nombre durante laPrimera Guerra Mundial por miedo de ser identificado como alemán.
Nació en Cheltenham, cerca de Gales. Estudió en el Royal College of Music de esta localidad, pero más tarde se marchó a continuar sus estudios a Londres. Su obra más conocida probablemente sea Los Planetas (The Planets), terminada en 1916, obra que Gustavus no consideraba una de sus mejores creaciones; de hecho, en ocasiones se quejó porque otras obras habían sido eclipsadas por ella.Los Planetas está parcialmente inspirado en meditaciones de su propio horóscopo. Trata sobre "las influencias de nuestro espíritu".
Holst estuvo especialmente influido por Ravel, compilador de unas famosas efemérides y autor de un libro sobre los planetas y su importancia en los acontecimientos mundiales, el que le dio a Holst una amplia visión sobre éstos, logrando hacer de ella una obra exitosa. Holst escribió la suite orquestal cuando era profesor en la St. Paul's Girls' School en Hammersmith (Londres). Compuso además una obra exitosa para la orquesta de la escuela en 1913.
En 1930, compuso Hammersmith: una expresión musical popular que se inicia con la representación extraordinaria del Támesis fluyendo por la ciudad. El departamento musical de la escuela fue nombrado posteriormente en su honor.
La contribución de Holst a los instrumentos de viento-madera le garantizó un lugar en la historia de éstos. En muchos programas actuales destacan sus dos Suites for Military Band. Su única obra para instrumentos de viento-metal, A Moorside Suite, sigue siendo una parte importante del repertorio para dichos instrumentos.
Como muchos compositores, Holst también ejecutaba un instrumento musical, en su caso el trombón
Según su biógrafo, Ian Lace, Gustav Holst era frugal, nunca fumaba ni bebía alcohol. Desde que se fue de casa se volvió vegetariano. Pero ese vegetarianismo no era recomendable en la barata posada donde vivió en los años 1890, además como nunca se alimentó con comida nutritiva, sus ojos se volvieron muy débiles, quedando afectado el resto de su vida.
En 1933 Holst comenzó a sufrir de serios problemas estomacales y finalmente el 25 de mayo de 1934 murió por unas complicaciones, tras una operación quirúrgica en Londres. Fue enterrado en la antigua Catedral de Chichester, West Sussex.
Sus hijas Imogen Holst y Angela Holst, al igual que su padre, se dedicaron a la composición y a la dirección.
 
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Ralph Vaughan Williams (n. en 1872 - f. en 1958) fue un compositor británico de gran popularidad en su país, donde es considerado una gloria nacional. La divulgación de su obra en otros países ha llegado principalmente gracias a la industria discográfica.
Nació en 1872, siendo el hijo menor del pastor anglicano de Down Ampney, en Gloucestershire. Su padre, Arthur, murió repentinamente cuando Ralph apenas tenía dos años de edad, por lo que su madre, Margaret Wedgwood, volvió con sus hijos al hogar familiar de Leith Hill Place, en la región de Surrey. Margaret procedía de una familia acomodada, emparentada con los Darwin, pues era hija de Caroline Sarah Darwin, hermana de Charles Darwin. Ralph estudió música e historia en la Universidad de Cambridge y posteriormente en Berlín con Max Bruch y en París con Maurice Ravel, lo cual dio a su orquestación lo que él definió como “un toque de lustre francés”.
Fue nombrado profesor en el Royal College of Music (RCM) en 1919 y recibió un año después el nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford, llegando a convertirse en el Director del Bach Choir y consiguiendo en los años veinte que su música fuese conocida en todo el continente europeo.
Contrajo matrimonio con Adeline Fisher en 1897. Pocos años después de la boda, a Adeline se le diagnosticó una artritis progresiva, que acabó confinándola en una silla de ruedas. Fallecida su primera esposa en 1951, se casó con su asistente personal, Ursula Wood, en 1953. Ambos llevaban manteniendo una relación sentimental desde 1938, cuando se conocieron, al parecer con el consentimiento de la propia Adeline.
Vaughan Williams falleció en Londres en 1958 a los 85 años de edad, siendo enterrado en la Abadía de Westminster, cerca de las tumbas de otros compositores ingleses, Herbert Howells y Charles Villiers Stanford.
Aunque sus primeros trabajos, como "Las avispas" (música incidental para teatro) o su primera sinfonía, la Sinfonía del Mar, basada en textos de Walt Whitman, pecan de cierto academicismo, ya contienen las bases armónicas y el germen de sus obras más famosas, así como su interés por la música tradicional de Inglaterra.
Su salto a la fama se produjo con la “Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis”. En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, que responde en líneas generales a una forma de tema principal con variaciones, desarrolla un tema del compositor inglés renacentista Thomas Tallis. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. El resultado es de una radiante sonoridad e inspiración. Esta pieza fue utilizada como banda sonora de las películas Remando al viento (Gonzalo Suárez, 1988) y Master and Commander (Peter Weir, 2003).
La música de Vaughan Williams suele describirse como "típicamente inglesa", del mismo género que las obras de Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros compositores contemporáneos suyos. También es notable la influencia de la sonoridad musical de Maurice Ravel, quien fue maestro suyo en París en 1908. Según el escritor Peter Ackroyd: «si el ser típicamente inglés en música puede ser encerrado en palabras de alguna manera, estas podrían ser: ostensiblemente familiar y común, aunque profunda y mística al tiempo que lírica, melódica, melancólica y nostálgica, aunque eterna». Por su parte, el crítico inglés Fuller Maitland describió el estilo de Vaughan Williams como: «nunca se está muy seguro de estar escuchando algo muy antiguo o muy nuevo».
La música de Vaughan Williams expresa una profunda consideración y fascinación por las melodías populares, buscando sublimarlas y hacerlas etéreas. A partir de 1903, Vaughan Williams comenzó a recoger canciones populares inglesas, y llegó a recopilar más de 800. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música (aunque más superficial, más como mera cita o paráfrasis que como integración profunda, como habían hecho otros compositores como Béla Bártok o Leoš Janáček). También es característico de su música las referencias hacia el paisaje y las personas que en él habitan.
Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo al igual que su gran amigo Gustav Holst. Ésta es otra de las influencias musicales que le permitieron desarrollar un personal lenguaje (sobre todo armónico), que se refleja en todas sus obras aunque en mayor medida en su extensa producción vocal y coral, en la que cabe destacar su Misa en Sol menor o la cantata Dona Nobis Pacem.
La obra de Vaughan Williams y todos sus recursos estilísticos y técnicos culminan con sus nueve sinfonías, las cuales suponen su cima en lo que se refiere a inspiración melódica y armónica.
Entre las ediciones discográficas de las obras de Vaughan Williams, destaca la integral de sus sinfonías que grabó sir Adrian Boult para el sello EMI, así como las que posteriormente grabaron otros destacados directores como Bernard Haitink y André Previn, entre otros.
 
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Frederick Delius (Bradford, 1862 - Grez-sur-Loing, 1934) Compositor inglés de origen alemán. Aprendió armonía con el organista americano Thomas Ward y después ingresó en el Conservatorio de Leipzig, donde fue alumno de Reinecke. En 1890 se estableció en París y se casó con la pintora Jelka Rosen. Su obra coral más importante, Eine Messe des Lebens (1905), es la proclamación de un agnóstico. Sus poemas sinfónicos son evocaciones de la naturaleza: On hearing the first cuckoo in Spring y Summer nigth on the river (los dos de 1912); su estilo es armónico, lo que hace que se ajuste más a la variación que a la sonata, estando entre sus mejores obras Appalachia (1902), sobre un tema americano, y Briff Fair (1907), sobre una canción popular inglesa. Fue autor de seis óperas, de las que Romeo un Julio dem Dorfe (1901) fue la que obtuvo un éxito mayor; se estrenó en Berlín en 1907 y se repuso varias veces en Londres. No compuso sinfonías, pero sí cuatro conciertos y varias sonatas, y algunas obras para piano. Creó numerosas melodías para poemas de autores como Ibsen, Shelley, Verlaine y Nietzche.
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Sir Edward William Elgar, 2 de junio de 1857, Broadheath, Inglaterra - 23 de febrero de 1934,nota 1 Worcester, ibídem) fue uncompositor inglés. Muchas de sus obras han entrado en el repertorio clásico de concierto británico e internacional.
Su primera obra importante para orquesta, las Variaciones Enigma, obtuvo un notable éxito. También compuso oratorios, música de cámara, sinfonías, conciertos instrumentales, conciertos para violín y violonchelo, obras corales (entre las que se encuentra El sueño de Geronte) y canciones. Su producción musical incluye las marchas Pompa y circunstancia, la primera de las cuales se canta frecuentemente con las palabras «Land of Hope and Glory», común en las colaciones de grados. En muchos países esta obra se utiliza como marcha nupcial en bodas. Fue nombrado Maestro de música real en 1924.
A pesar de que Elgar es a menudo considerado como el típico compositor inglés, la mayoría de sus influencias musicales no provenían de Inglaterra, sino de la Europa continental. Se sentía a sí mismo como un extraño, no sólo musicalmente, sino también en lo social. En los círculos musicales dominados por los académicos, fue un compositor autodidacta, en la protestanteGran Bretaña, su catolicismo era visto con recelo en algunos sectores y en la sociedad británica victoriana y eduardiana con conciencia de clase, que era muy sensible acerca de sus humildes orígenes, incluso después de lograr el reconocimiento. No obstante se casó con la hija de un oficial del ejército británico de alto rango, Caroline Alice. Ella le inspiró tanto a nivel musical como social, pero tuvo problemas para alcanzar el éxito hasta que cumplió los cuarenta, cuando tras una serie de obras de un éxito moderado sus Variaciones Enigma (1899) se hicieron inmediatamente populares en Gran Bretaña y el extranjero. Tras las variaciones compuso una obra coral, El sueño de Geronte (1900), basado en un texto católico que causó cierta inquietud entre la clase dirigente anglicana en su país, pero se ha mantenido como una obra del repertorio central británico y en otros lugares. Sus siguientes obras corales religiosas de larga duración fueron bien recibidas, pero no han entrado en el repertorio regular. La primera de sus marchas Pompa y circunstancia (1901) es bien conocida en el mundo anglosajón.
A sus cincuenta años, compuso su Primera Sinfonía y el Concierto para violín que tuvieron un amplio éxito. Su Segunda Sinfoníay el Concierto para violonchelo no obtuvieron una popularidad inmediata y pasaron varios años hasta que se ganaron un sitio en el repertorio de concierto habitual de las orquestas británicas. En sus últimos años, la música de Elgar comenzó a ser vista como atractiva sobre todo por el público británico. Su valoración permaneció muy baja durante una generación después de su muerte. Comenzó a resurgir de manera significativa en la década de 1960, gracias a la ayuda de nuevas grabaciones de sus obras. En años recientes, algunas de ellas han retomado el nivel internacional de nuevo, pero la música sigue siendo más interpretada en Gran Bretaña que en ningún otro sitio.
Se ha descrito a Elgar como el primer compositor que se tomó en serio el uso del gramófono. Entre 1914 y 1925, dirigió una serie de grabaciones de sus obras. La introducción del micrófono en 1925 hizo que fuera posible una reproducción del sonido más segura y Elgar realizó nuevas grabaciones de la mayoría de sus principales obras orquestales y extractos de El sueño de Geronte. Dichas grabaciones fueron reeditadas en LP en la década de 1970 y en CD en la década de 1990.
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